CINESTROIKA

Um olhar sobre um filme que (ainda) não existe.

2011-04-19T22:11:00.000-07:00

Na primeira sequência Wellington Oliveira está em sua casa preparando seu armamento, carregando os tambores de seus revolveres calibre 38. Por uma escolha estética, não iremos ver seu rosto, somente suas mãos e suas armas. Logo em seguida, Wellington escrevendo uma carta e o conteúdo será misterioso ao longo do filme.

Se o meu intuito fosse levantar as questões estéticas do filme, poderia dizer que inexplicavelmente e de forma totalmente equivocada, teríamos acabado de presenciar uma sequência de um evento futuro em relação aos eventos que passaríamos a presenciar em seguida, mas o foco desse texto é justamente outro, talvez imediatista, mas direcionado.

Acompanhando os noticiários e jornais neste sábado, dia 09 de abril de 2011, o foco central era o enterro das crianças vítimas do evento ocorrido em Realengo no Rio de Janeiro. Tamanha cobertura era esperada, como sempre o é diante das desgraças alheias. É o perfeito exemplo do interesse dos espectadores solidários ao pais das vítimas e ao sofrimento de cada ser humano envolvido.

Logo, foi inevitável lembrar-me dos filmes de Michael Haneke, quase todos (se não todos) em sua essência, principalmente dos breves “inserts” de noticias sobre guerras, violências, pontuando o contexto de seus personagens, a pressão que convivem e exigem suas escolhas.

E foi justamente ao me lembrar de Haneke que me dei conta de que, se por ventura esse evento recente fosse adaptado para as telas do cinema brasileiro, jamais, e enfatizo jamais, teríamos um filme sério, relevante e principalmente, um filme que exercesse a função de levantar questionamentos a respeito do que supostamente deveria ser levantado.

Obviamente não estou generalizando ou questionando a “qualidade” dos diretores brasileiros, mas talvez esteja tentando traduzir a revolta que sinto ao ver a forma como esse acontecimento é transmitindo para a população. Que tipo de informação é esta que pontua os locais onde os tiros atingiram suas vítimas. Que mídia é esta que publica fotos dos parentes das vítimas em desespero, pranto e agonia? E não acredito que o tratamento desse tipo de informação é exclusivo e genuinamente brasileiro, mas em escala global.

De que adianta a informação gratuita sobre o que era dito as vítimas se temos uma carta escrita pelo próprio realizador do crime a qual vamos ignorar, não levando em consideração suas palavras morais e a clara transparência do ele vinha sofrendo e onde encontrou e como canalizou a força para atuar dessa forma.

Mas a mídia questiona como o jovem conseguiu essas armas, como se fosse impossível de se olhar a facilidade de obtê-las em condições muito tranqüilas neste país. Não me importo, sinceramente, com quem forneceu essas armas a esse jovem. Realmente acredito que esta deveria ser uma preocupação em segundo plano, já que ele poderia ter entrado na escola com uma faca de cozinha, obviamente contabilizando menos vítimas, mas com a mesma intenção.

É com essa base que me pergunto quando o conteúdo da carta será analisado com cautela e virá a público toda a influência alienante, que beira a violência psíquica, que pessoas em condições como a de Wellington sofrem de determinadas instituições religiosas.

Mas alguém logo dirá que estou defendendo e tentando justificar o acontecimento, que estou atuando como um advogado de defesa. Se a acusação apontar que estou sendo frio e calculista, estarei completamente de acordo com que disser isso. Ou talvez não. Talvez a minha frieza ao encarar essa notícia seja um mecanismo de defesa da minha própria personalidade que, ao se deparar com a forma que as pessoas confrontam esse tipo de acontecimento com uma falsa solidariedade que soa asquerosamente como um “Olha, Deus, eu estou chocado e triste, não deixa isso acontecer comigo” e ignoram completamente os fatores que desencadeiam esse tipo de situação.

Não, não sou frio, não sou calculista. Estou simplesmente tentando apontar um fator moral que existe e que está cada vez mais presente na realidade das pessoas que buscam por ajuda e acabam recebendo um manual de conduta falido que se esconde friamente por trás de uma carcaça perigosa chamada religião.

Isso me leva a pontuar o que realmente é relevante pontuar nesse acontecimento. Quem era Wellington de Oliveira? 12 meninas assassinadas e 1 menino? O que levaria um ser humano do sexo masculino nascido no Brasil a matar tantas mulheres? A vitória da primeira mulher ao cargo de presidenta não isenta o machismo de um povo, assim como a vitória de um negro não isenta o racismo.

Estamos cada vez mais enfiados em um buraco moral que se auto alimenta das ilusões que os meios de comunicação promovem sobre comportamento, fazendo com que as noticias peçam hoje que você continue horrorizado com a pureza dos inocentes ao invés de apontar fatores que realmente permitam uma opinião crítica sobre eventos desencadeadores da violência humana.

E o que o cinema tem a ver com tudo isso? Qual a vantagem de apontar uma suposta leitura sobre um filme que (ainda) não existe. Talvez seja a forma de atestar a minha premeditação. Longo em breve as salas dos cinemas estarão lotadas para acompanharmos a vida de Wellignton de Oliveira sob o ponto de vista de um diretor que não terá a mínima delicadeza de construir uma narrativa isenta dos seus valores morais. Durante todo o filme estaremos diante da pureza das vítimas executadas naquele dia. Presenciaremos cada morte, cada tiro, cada grito de horror. No final existirá um herói. O herói que atirou em Wellington e evitou que mais crianças fossem assassinadas naquela manhã. Veremos os gritos de dor, o choro em câmera lenta. Sangue, muito sangue.

Ao fim da sessão eu estarei indignado, assim como estou hoje ao ver cada noticia de jornal, cada matéria televisiva e cada comentário solidário na rua de pessoas que alimentam esse tipo de informação. Estarei indignado com o que o cinema é quando esquecemos o seu principal papel.

A Aposta do Oscar

2011-02-27T07:36:00.000-08:00

Acho que não sou um grande entendedor dessa premiação. E estou cada vez mais convicto que nos últimos dois anos (e muito provavelmente assim seguirá), com a vinda dos dez indicados a categoria principal, está cada vez mais difícil tentar buscar sensatez de quem realmente poderia ganhar o título de “Melhor Filme do Ano”. Entre as grandes apostas e os que tem grande chance de vencer – A Rede Social e O Discurso do Rei – eu realmente lamento muito essa restrição. Como verão, gostaria e muito que “Inverno da Alma” ganhasse, mas também, meu gosto pelo filme pode muito bem ser ainda um resquício de “resistência”. Não sei. Bom, segue a lista dos indicados. Os filmes em vermelho são os prováveis vencedores de hoje a noite. Os grifados são os meus favoritos da categoria.

Espero que gostem da lista, que se divirtam muito hoje a noite, e que eu erre quase todas as minhas apostas para vencedores, esperando, como última esperança, que uma gota de lucidez bata na Academia esse ano.

Melhor Filme
127 Horas
A Origem
A Rede Social
Bravura Indômita
Cisne Negro
Inverno da Alma
Minhas Mães e Meu Pai
O Discurso do Rei
O Vencedor
Toy Story 3

Melhor Diretor
David Fincher (A Rede Social)
David O. Russel (O Vencedor)
Darren Aronofsky (Cisne Negro)
Joel e Ethan Coen (Bravura Indômita)
Tom Hooper (O Discurso do Rei)

Melhor Atriz
Annete Benning (Minhas Mães e Meu Pai)
Jennifer Lawrence (Inverno da Alma)
Michelle Williams (Namorados Para Sempre)
Nicole Kidman (Reencontrando a Felicidade)
Natalie Portman (Cisne Negro)

Melhor Ator
Colin Firth (O Discurso do Rei)
James Franco (127 Horas)
Javier Bardem (Biutiful)
Jeff Bridges (Bravura Indômita)
Jesse Eisenberg (A Rede Social)

Melhor Ator Coadjuvante
Christian Bale (O Vencedor)
Geoffrey Rush (O Discurso do Rei)
Jeremy Renner (Atração Perigosa)
John Hawkes (Inverno da Alma)
Mark Ruffalo (Minhas Mães e Meu Pai)

Melhor Atriz Coadjuvante
Melissa Leo (O Vencedor)
Helena Bonham Carter (O Discurso do Rei)
Hailee Steinfeld (Bravura Indômita)
Amy Adams (O Vencedor)
Jacki Weaver (Reino Animal)

Melhor Roteiro Original
Christopher Nolan (A Origem)
David Seidler (O Discurso do Rei)
Lisa Cholodenko e Stuart Blumberg (Minhas Mães e Meu Pai)
Mike Leigh (Another Year)
Scott Silver, Paul Tamasy e Eric Johnson (O Vencedor)

Melhor Roteiro Adaptado
Aaron Sorkin (A Rede Social)
Danny Boyle e Simon Beaufoy (127 Horas)
Debra Granik e Anne Rosellini (Inverno da Alma)
Joel e Ethan Coen (Bravura Indômita)
Michael Arndt, John Lasseter, Andrew Stanton e Lee Unkrich (Toy Story 3)

Melhor Animação
Como Treinar Seu Dragão
O Mágico
Toy Story 3

Melhor Fotografia
A Origem
A Rede Social
Bravura Indômita
Cisne Negro
O Discurso do Rei

Melhor Documentário
Exit Through the Gift Shop
Gasland
Lixo Extraordinário
Restrepo
Trabalho Interno

Melhor Filme Estrangeiro
Biutiful (México)
Dente Canino (Grécia)
Em um Mundo Melhor (Dinamarca)
Fora da Lei (Argélia)
Incêndios (Canadá)

Melhor Montagem
127 Horas
A Rede Social
Cisne Negro
O Discurso do Rei
O Vencedor

Melhor Edição de Som
A Origem
Bravura Indômita
Incontrolável
Toy Story
Tron - O Legado

Melhor Mixagem de Som
A Origem
A Rede Social
Bravura Indômita
O Discurso do Rei
Salt

Melhores Efeitos Visuais
Além da Vida
Alice no País das Maravilhas
A Origem
Harry Potter e as Relíquias da Morte - Parte 1
Homem de Ferro 2

Melhor Figurino
I Am Love
Alice no País das Maravilhas
Bravura Indômita
O Discurso do Rei
The Tempest

OBS: Não votei em todas as categorias. Ou não vi todos os filmes, ou simplesmente não tenho coragem de apontar um vencedor e um favorito devido a qualidade dos indicados.

MELHORES FILMES DA DÉCADA (2001 - 2010)

2011-01-10T09:44:00.000-08:00

Faz muito tempo que não escrevo. Pensei em algo que pudesse postar para reativar o blog. Não pensei em nada original. No caso: a lista dos meus filmes favoritos da década passada.

Resolvi escolher 20 filmes e organizei de forma decrescente.

Um ótimo 2011 para todos.

20 ° – A Criança | L’ Enfant (Jean -Pierre e Luc Dardenne)

19° - Ser e Ter | Être et Avoir (Nicolas Philibert)

18° - As Invasões Bárbaras | Les Ivasions Barbares (Denys Arcand)

17° - Fale Com Ela | Hable Com Ela (Pedro Almodovar)

16° - Caché | Hidden (Michael Haneke)

15° - Santiago (João Moreira Sales)

14° - Cópia Fiel | Copie Conforme (Abbas Kiarostami)

13° - Brilho Eterno de uma Mente sem Lembranças | Eternal Sunshine of the Spotless Mind (Michel Gondry)

12° - O Labirinto do Fauno | El Labirinto del Fauno (Guillermo Del Toro)

11° - E Se Nada Mais der Certo (José Eduardo Belmont)

10° - Onde os Fracos Não Tem Vez | No Country For Old Men (Irmãos Coen)

9° - Ratatouille (Brad Bird)

8°– O Silêncio de Lorna | Le Silence de Lorna (Jean -Pierre e Luc Dardenne)

7° – Jogo de Cena (Eduardo Coutinho)

6° – Um homem Sério | A Serious Man (Irmãos Coen)

5° – A Vila | The Village (M. Night Shyamalan)

4° – Fonte da Vida | The Fountain (Darren Anorofsky)

3° – Anti Cristo | Antichrist (Lars Von Trier)

2° – A Fita Branca |Das Weisse Band – (Michael Haneke)

1° – Cidade os Sonhos | Mulholland Drive (David Lynch)

Ilha do Medo - Martin Scorsese

2010-03-15T19:49:00.000-07:00

Os policiais Teddy Daniels (Leonardo DiCaprio) e Chuck Aule (Mark Ruffalo) estão chegando a Shutter Island. Sobre um pequeno barco saindo de um nevoeiro, Teddy está extremamente enjoado e diz frente a um espelho: é somente água, muita água. Esse mal estar é muito bem transfigurado na linguagem fílmica que Scorsese adota. Cada corte não respeita sua continuidade, muito menos a espacialidade, causando em nós a instabilidade daquela situação, daquele barco balançando cercado por água, muita água.

Tudo é somente a apresentação da instituição psiquiátrica na qual desembarcarão e que convocou estes dois detetives para resolverem o caso do desaparecimento de Rachel, uma interna que matou seus três filhos afogados em um lago atrás de sua casa.

Durante as investigações, Teddy começa a desconfiar de todos os envolvidos no funcionamento da instituição. Ele precisa descobrir o que aconteceu com esta mulher, mas sente que tudo conspira contra, principalmente a partir do momento em que começa alucinar após tomar uma aspirina cedida pelo diretor da instituição (Bem Kingsley).

Suas alucinações são os bons momentos do filme (talvez os melhores). O clima construído exige um pouco do espectador. Nos rompimentos de diálogos e do espaço físico e a aparição de novos personagens. Tudo caminha bem durante as duas horas e dezoito minutos de filme se não fosse o fato de já “termos desvendado” o mistério principal nos primeiros “30 minutos de exibição” desta narrativa transbordada de receitas desgastadas no gênero.

Talvez a fórmula de Scorsese não fosse apostar na “surpresa” final. Mas, a partir dessa desconfiança que surge logo no início, ele condena os fatos à linearidade, sendo construídos justamente para justificar cada elemento apresentado, principalmente nos últimos 20 minutos, onde o excesso de justificativas dos fatos é esmiuçado para proporcionar a sensação de satisfação aos expectadores.

Não estamos diante de Scorsese. Nada de “Touro Indomável” (ok, forcei a barra.), ou “’Taxi Driver” (forcei mais ainda), muito menos da pressão psicológica de “Cabo do Medo” (mais adequado). É um filme auto-explicativo que desrespeita seu expectador que talvez (ou não) ainda possua o mínimo de raciocínio pra poder acompanhar uma narrativa linear como essa.

Mas esse não é um problema somente que gira em torno do universo deste novo filme de Scorsese: o cinema talvez esteja se adaptando ao seu público atual. Como exemplo é só ver os 10 indicados ao Oscar desse ano, salvo exceções como “Um Homem Sério” dos Irmãos Coen e “Bastardos Inglórios” de Quentin Tarantino.

Anticristo - Lars Von Trier

2009-10-03T14:51:00.000-07:00

O que mais escuto a respeito de "Anticristo" de Lars Von Trier é a relação com a depressão que o diretor vivia durante o processo de criação do roteiro e de suas filmagens. Outra questão que pontuo é a série de argumentos que se fundem como desculpas para não se aprofundar em sua temática; "existe um leque de interpretações para esse filme", "Lars Von Trier era mais interessante quando não estava preocupado em se reinventar a todo o momento", "a violência presente no filme é desnecessária", entre outros que o acusam de canastrão e até mesmo, sendo um dos comentários mais irracionais e cegos, misógino. Além daqueles que somente reafirmam comentários feitos pelo próprio diretor de forma inocente.

Começo pontuando cada opinião dessas.

O processo de um filme somente está finalizado quando chega aos olhos do público. Seja qual for o filme, ele sempre vai deixar um leque de interpretações, já que esse "olhar" é quem vai finalizar o processo de comunicação. E essa interpretação estará sujeito a toda a bagagem e vivencia desse indivíduo de forma muito particular.

Uma das primeiras lições nas escolas brasileiras de cinema, é que não existem mais histórias a serem contadas e sim formas diferentes de serem contadas. Partindo deste raciocínio, o que há de tão errado nas tentativas de Lars? Existem muitos incômodos na forma em que ele estrutura seu filme e sua narrativa, mas talvez esse seja o seu lado inventivo, que o caracterize como um diretor autoral e livre das acusações do público – já que ele afirma fazer filmes para si mesmo. Mas eu discordo desse raciocínio. Na verdade também só estou contrariando quem critica suas tentativas de ser “inovador”.

Se o objetivo fosse resumir a temática do filme Anticristo em somente uma palavra, essa palavra seria "Castração". É esse o foco que o diretor busca explorar: o terror psicológico existente nas relações humanas devido aos costumes e práticas cotidianas da sociedade, não diretamente tratando da modernidade, e sim, referente aos reflexos históricos. O filme realça o horror vivido por mulheres inocentes, dando destaque para o século XVI, período de maior intensidade no movimento de caça as bruxas que se perpetuou por quase cinco séculos. Tudo o que acontece frente aos nossos olhos está mais do que justificado e objetivamente, nunca sendo moralista, nos coloca em uma posição de desconforto constante, já que é muito clara a possibilidade de inconscientemente passarmos a nos identificar com seus personagens.

E essa identificação não se constrói de forma pejorativa. A tentativa de Lars é explorar o que uma simples relação entre as pessoas, dentro do que a sociedade nos propõe e dentro daquilo que é dito aceitável, nos proporciona psicologicamente. O que perdemos da nossa natureza ao aceitar esses códigos de conduta e o que isso pode resultar, não talvez como no filme que acontece em uma realidade concreta, mas em um patamar interior; uma briga constante diante do contraste do desejo e do permitido.

No filme, a personagem principal, por ter perdido seu pequeno filho em um momento em que se entregava a seu prazer sexual, entra em uma profunda depressão. Esse é um dos maiores pontos do filme para construir essa lógica da culpa e do estar sendo castrado. Assim como a atitude do marido, psicólogo muito prepotente por ter assumido o tratamento de sua esposa, continuando a prender cada vez mais a mulher aos seus preceitos. São pequenas as atitudes contidas no decorrer das suas conversas. O descaso do marido com muitas coisas que a mulher tenta expressar. O tom de arrogância no qual ele sempre assume quando rebate os argumentos da mulher. A forma de expressar ser superior a qualquer outro raciocínio estabelecido, seja por ela ou pelo seu médico.

Em paralelo a esse caso, Von Trier dá indícios de que a natureza seria o anticristo do título. Representada pelo Éden ao qual eles viajam para fazer o tratamento da mulher e como sendo o lugar de origem de seus medos. É o retorno de Adão e Eva para o jardim do paraíso.

Ela, criada de uma costela dele, dá início ao subestimar histórico. Dá início aos argumentos para o controle e a castração da mulher. E é lá que a mulher do filme põe à tona a dor desse silêncio.

Mas o homem em sua representação, não está sendo acusado diretamente como o culpado por esse controle. O personagem de Willian Dafoe desconhece os verdadeiros motivos do ódio que sua mulher alimenta por ele. Quando ele busca racionalizar a situação e encontra a resposta como sendo ele o causador de todo esse ódio concentrado em sua mulher, a surpresa imediata é desse personagem, e não do público que já desenvolveu essa linha de raciocino.

Talvez aqui esteja implícito o processo terapêutico de Lars Von Trier. A psicologia em seu puro estado, mas não da forma que venha a reconfortar e sim apontar onde está esse anticristo do título. E é através dessa psicologia, que não tem nada de barata, que recebemos um dedo apontado em nossa cara dizendo o quanto é falida a lógica da nossa sociedade e principalmente nossos princípios morais.

E daí parte a minha pergunta. Onde está a visão misógina nessa história toda? Onde está a violência não justificada?

Talvez todos esses equívocos estejam principalmente na cabeça dos ditos críticos que não conseguem enxergar um palmo a frente do seu nariz, e temem o fato de, talvez sim, Lars Von Trier ser o melhor diretor do mundo.

Eden Log - Franck Vestiel

2009-07-04T09:33:00.000-07:00

O Primeiro Festival de Cinema Fantástico de São Paulo premiou “Eden Log” como melhor filme na categoria Internacional. Embora não concorde com a escolha do júri, o filme não somente se cumpre como sendo de categoria fantástica, termo que repetirei bastante ao longo do texto, mas também como uma ficção científica perfeitamente executada e que se destaca pelo seu baixo custo. Os outros concorrentes possuíam suas particularidades, seja no excesso de sangue, seja na comédia, ridicularização, mas eram bons filmes e cumpriam muito bem suas propostas.

O destaque era “Deixe Ela Entrar”, que, na minha opinião, é muito superior aos outros filmes apresentados, tanto na categoria Internacional quanto na Ibero Americana, mesmo não sabendo como criar parâmetros para compará-los. Apenas prefiro.

“Eden Log” começa com uma sequência muito interessante. Um homem se levanta em meio a um lodo. Não conseguimos inicialmente definir o que está acontecendo. São cortes freqüentes que nos colocam na posição do personagem que somente vê devido a uma luz branca cintilante que o guia e nos apresenta fragmentos do que é aquele lugar. O corte segue essa lógica. O som é sua respiração ofegante.

Ele está em uma caverna e, aos poucos, passa a controlar aquela fonte de luz, seguindo em diante, passando a remeter ao clima claustrofóbico do filme “Cubo”, a lógica narrativa dos jogos RPG´s, e os obstáculos como sendo nada mais do que mutações genéticas (nesse caso não precisamente genéticas) semelhantes a Resident Evil e Silent Hill.

E isso funciona, já que em nenhum momento foge de seu objetivo filosófico para se cumprir como um filme de gênero, fator comum em quase todas as produções exibidas no festival.

“O Proprietário”, de Javier Diment e Luis Ziembrowski, filme que competia na categoria Ibero Americana, é um exemplo claríssimo do quanto um diretor pode não ter controle do que está fazendo – ou de que talvez até tenha.

Detentor de uma trama psicológica incrível, onde, aos poucos, passávamos a estar no ponto de vista de um observador sinistro, mudo e com olhares introspectivos, acaba por somente se cumprir como mais um filme trash barato ao não se assumir como um suspense.

Medo? Acredito que não. Inexperiência? Talvez, mas acredito que exista uma áurea que está em meio a produtores do gênero que agem de forma a apenas se auto-afirmarem. Custe o que custar. É o preço a se pagar ao defender um cinema não tão difundido, e que necessita cada vez mais de apoios como o I SP TERROR.

Voltando à tentativa de digerir a vitória de “Eden Log”, declaro que a forma que encarava a fita em seu desenrolar não era a mais propicia, justamente pelo ritmo que vinha dos outros filmes do evento. Mas isso me levou a pesquisar e tentar encontrar referências ou ser mais direto e explorar o passado do diretor Franck Vestiel.

Foi um processo complicado. Diretor estreante. Referências quase zero. Um filme francês de baixo orçamento que, embora tenha estado presente em alguns festivais, teve repercussão muito pequena, o que dificulta encontrar outros textos ou materiais conectados ao filme.

A solução foi assistir pela segunda vez e finalmente começar a juntar algumas peças. O que antes parecia um quebra-cabeça, logo fez muito sentido. É um filme sobre um futuro indefinido, mas muito bem embasado no que representa e no que poderá vir a ser o preço a se pagar pelos interesses mercadológicos e as lógicas sustentáveis vigentes da sociedade moderna.

Devido à febre “verde” em que o mundo vive, criei certo preconceito aos primeiros desenrolares da trama de Eden Log, já que muitas vezes os filmes que abordam essa temática acabam por se tornarem pragmáticos e se perdem em discursos moralistas superficiais. Nada disso.

O filme ainda respeita seus limites. Sabe o ponto exato de se utilizar um personagem que não enxerga o todo no qual está envolvido. Sabe que não tem como função “trazer mensagens” ao público e, principalmente, que não é interessante tornar-se panfletário.

É um filme que se cumpre filosoficamente, uma oportunidade de singela reflexão. Um elenco pequeno que predomina quase todas as cenas, tomadas de câmera na mão com uma decupagem respeitosa, digna de grandes filmes de ação. E o mais importante, extremamente funcional.

Para aqueles que não conferiram Eden Log na I Mostra de Cinema Fantástico de São Paulo, provavelmente não terão uma oportunidade tão próxima. O Filme não tem data de estréia prevista e, provavelmente, caso venha a ser lançado no Brasil, estará sendo diretamente enviado para as locadoras.

É um ótimo filme, embora eu ainda acredite piamente que “Deixe Ela Entrar” é muito superior, seja lá em quais quesitos forem.

Deixe Ela Entrar - Tomas Alfredson

2009-07-01T13:59:00.000-07:00

Nada me faz acreditar hoje que existam filmes classificados como “terror” que mostrem sua competência, com raríssimas, quase nulas, exceções. Em São Paulo teve inicio nesta quinta-feira (25/06/09) o primeiro Festival Internacional de Cinema Fantástico, e o tão falado “Deixe Ela Entrar”, de Tomas Alfredson, que somente fora exibido na Mostra de Cinema de São Paulo no ano passado, voltou para esta semana especial.

O filme é sobre o jovem Oskar que vive em Estocolmo. Na escola, está sempre sendo agredido por outros alunos; em sua casa, vive distante do pai e sempre ao lado da mãe, que ora se demonstra carinhosa, ora está com os nervos à flor da pele. Não por acaso.

Começou a ocorrer uma série de estranhos assassinatos onde as pessoas são encontradas degoladas e com seu sangue extraído. Ao mesmo tempo, Oskar encontra Eli, uma estranha jovem que aparenta também ter seus 12 anos de idade e vive no apartamento ao lado. É desse encontro que temos o ponto de partida para o que há de mais interessante no filme.

Estamos frente a um filme de gênero que, mesmo tratando-se de produção em larga escala, atuando geralmente como caça-níqueis, inova ao explorar a delicadeza da relação entre Oskar e Eli, não pelos maneirismos, mas devido à particularidade que nos remete muito àquela cidade fria que parece fazer parte do ritmo de vida das pessoas.

Explorando o tripé amizade-paixão-necessidade, no contraste entre uma fotografia limpa e branca, e o silêncio, temos um filme superior. Não em relação somente a outros do gênero, mas dentro de si mesmo. Seu desenvolvimento nos leva a uma resolução que pode ser vista como banal, mas, ao meu ver, enriquece o filme, pois se tentasse mostrar outro lado da moeda, aí sim cairíamos em velhos contos milhões de vezes exibidos em salas de cinema.

O filme não foi lançado oficialmente no país e não existe data prevista para que isso aconteça. A sua única oportunidade é aproveitar a ultima exibição no Festival Internacional de Cinema Fantástico ou por métodos alternativos, visto por muitos como suspeito. Escolha a sua forma de conferir este filme e veja sem culpa. Simplesmente veja.

Para quem quiser ler mais sobre o filme: http://erickmartorelli.wordpress.com/

O Exterminador do Futuro: A Salvação - McG

2009-06-14T14:17:00.000-07:00

Em 1984, James Cameron deu início ao que futuramente se tornaria a franquia “O Exterminador do Futuro”. Em 1991, construiu uma sequência que, além de muito superior ao filme original, continha uma trama redonda e efeitos especiais que revolucionavam a indústria cinematográfica de Hollywood. Ainda, contávamos com Arnold Schwarzenegger dando vida ao andróide T-800, que no primeiro filme tinha como missão matar Sarah Connor (Linda Hamilton), e na sequência, devido a manobras políticas para não prejudicar sua imagem como candidato ao governo californiano, volta como “o herói”, o que acabou, porém, enriquecendo o filme, já que forçou a criação de um modelo mais avançado, o T-1000 (Robert Patrick), que traria um show aos olhos.

Na internet, hoje, é possível assistir ao final alternativo do segundo filme, e o último dirigido por James Cameron. Nele, Sarah e seu filho John Connor, ambos bem mais velhos, estão em um parque de diversões com a suposta filha de John e neta de Sarah. Na narração de Sarah, ela afirma que o Dia do Julgamento realmente tinha sido evitado. Soa piegas, e talvez Cameron tenha acertado em utilizar o final que utilizou, trabalhando os medos e as incertezas do futuro, mesmo diante de uma singela crítica que nos compara – nós humanos – à frieza das máquinas.

Mas uma coisa seria certa: o final alternativo daria um basta na história e evitaria as outras duas continuações. Em “O Exterminador do Futuro 3: A Rebelião das Máquinas” os produtores tentaram desesperadamente criar um novo universo para dar continuidade ao que teoricamente havia se encerrado – “O dia do julgamento não pode ser evitado, somente adiado?”, “A Skynet investiu em uma exterminadora na tentativa de atrair os homens da resistência ou o público babão?”, “O que é o T-800 se auto-exterminando, sendo que eles não podem se auto-exterminar?”, entre outras asneiras que somente competem à criação de mais um filme de ação e ignoram a áurea do equilíbrio entre uma história bem contada e muita ação.

A nova sequência, “O Exterminador do Futuro: A Salvação”, mesmo com a confirmação da não-presença do astro principal, carregava o fardo de superar o fracasso do filme anterior. Christian Bale assume o papel de John Connor, desbancando Nick Stahl, que jamais conseguiu se encontrar em alguma produção e carregar um personagem convincente. Mas essa substituição acabou criando um ar de “promessas”. As primeiras imagens do filme surgiram na internet e aparentemente teríamos um novo suspense se formando para nos convencer das baboseiras ditas no anterior.

Engano. O que nos trailers parecia ser misterioso, já nos primeiros trinta minutos é possível deduzir pelos diálogos previsíveis. Sem contar o desespero de se criar links com os filmes anteriores. Frases que marcaram a série como “Eu vou voltar”, “Venha comigo se quiser viver”, a ação moral de não matar um ser humano e sim atirar em suas pernas e mantê-lo vivo, e até mesmo a cena em que, ao receber um soco, a pessoa vira lentamente seu rosto para encarar o inimigo.

É nessa sucessão de equívocos que este filme consegue superar a terceira peça. O que não era nenhuma tarefa difícil, mas que se torna infantil e somente convence quem estiver predisposto a ver uma chuva de cenas de ação muito inferiores às que já tínhamos visto no primeiro e no segundo, e não estiver preocupado com a história que é contada.

O Exterminador do Futuro deixou de ser um filme para fãs. Não há mais preocupação em construir um vilão psicologicamente aterrorizador por sua indestrutibilidade, ou investir em um roteiro que assuma de vez um final para a saga. Os produtores notaram a força que o nome desse filme possui diante do público e, ao mesmo tempo, a passividade que se generaliza com a idéia de cinema "entretenimento" que circunda o público.

A genialidade estava presente em uma história que se construía com as necessidades das cenas de ações e, consequentemente, o uso de efeitos especiais e visuais, não como hoje, que a história se constrói somente para justificar o uso dos CGI´s (Computer-Generated Imagery). Mas aqui estamos, aguardando a quinta versão da série, já que engolimos qualquer coisa hoje em dia, até mesmo uma versão de Arnold Schwarzenegger que eu me recuso a comentar.

Zeitgeist - Peter Joseph

2009-06-01T19:26:00.000-07:00

A Espiritualidade é um termo específico que na verdade significa: lidar com a intuição. Na tradição teísta há a noção de apego a um conceito. Certo ato é considerado como não aceitável para um princípio divino. Certo ato é considerado aceitável para o divino, qualquer coisa.

Na tradição do não-teísmo, no entanto, é bastante direto – que os casos da história não são particularmente importantes. O que é realmente importante é Aqui e Agora. O agora é definitivamente agora. Nós tentamos viver o que está disponível ali, no momento.

Não faz sentido pensar que existe um passado que poderíamos ter agora. Isto é agora. Este preciso momento. Nada místico, apenas “agora”, muito simples, direto. E desse “agora”, contudo, emerge sempre um sentido de inteligência de que estamos constantemente em interação com a realidade um por um.
Lugar por lugar.
Constantemente.

Nós na realidade vivemos uma fantástica precisão, constantemente. Mas nós nos sentimos ameaçados pelo “agora” e saltamos para o passado ou futuro. Prestando atenção aos bens materiais que existem na nossa vida – esta vida rica que nós levamos. Todas estas escolhas tomam lugar a todo o momento, mas nenhuma delas é considerada boa ou má. Todas as coisas que vivemos são experiências incondicionais. Elas não vêm com uma etiqueta dizendo “isto é considerado mal” ou “isto é bom”.

Mas nós as vivemos e não tomamos a devida atenção a elas. Nós não damos conta que estamos indo para algum lugar.
Consideramos isso um incômodo.
Esperar pela morte.

Isso é um problema.
É o não confiar propriamente no “agora”; que aquilo que vivemos agora possui muitas coisas poderosas. É tão poderoso que somos incapazes de enfrentá-lo. Conseqüentemente, temos que emprestar todo o passado e convidar o futuro a todo o momento.

E talvez seja por isso que procuramos a religião.
Talvez seja por isso que andamos na rua.
Talvez seja por isso que nos queixamos da sociedade.
Talvez seja por isso que votamos nos presidentes.

É bastante irônico.
Muito engraçado mesmo.

Texto de “Chögyam Trungpa Rinpoche” que abre o filme Zeitgeist.

O filme está disponível no site oficial.
Para assistir em português, clique aqui.

Sinédoque, Nova Iorque - Charlie Kaufman

2009-04-19T15:53:00.000-07:00

Como identificar o limite existente entre a realidade e os simulacros? Como um homem pode ignorar a dor da complexidade do entendimento de sua existência? Como viver buscando entender o mundo e que o mundo nos entenda? Nossas angústias, medos, desejos, neuroses. Os caminhos que trilhamos e a incerteza de que esse seja o exato para nos encontrarmos. O homem nasce em uma não compreensão e o ápice do seu intelectual é a morte diante das dúvidas. Das incertezas.

Crescemos diante da ilusão de esmeros. A boa convivência familiar, a amizade, os filhos, o sucesso profissional e, principalmente, o desejo de nos encontrarmos em tudo isso. Muitas vezes esse “desejo de encontrar a si mesmo” não acontece de forma racional, perdendo-se em depressões, insatisfações crônicas, e é quase isso que pode, infelizmente empobrecendo sua magnitude, “explicar” o personagem de Philip Seymour Hoffman (magnífico). Mas às vezes, trazer essas questões para o âmbito racional é muito mais doloroso, também resultando nessa autodestruição.

A arte muitas vezes torna-se a fuga, refletindo esses medos. Charlie Kaufman, ao lado de Michel Gondry, explorou em seu roteiro de “Brilho Eterno de uma Mente sem Lembranças” a insatisfação do homem diante do novo, e em “A Natureza Quase Humana”, fazendo um paralelo ao caso de Kasper Hauser, construiu o contraste e as equivalências entre os desejos do homem em seu estado selvagem e do homem dito “moderno”, e o que o exalta é justamente o visceral dessas questões equilibrado entre a comédia e o drama.

Nisso tudo, o que mais surpreende é a forma com que trabalha seus personagens diante de situações absurdas, em um mundo extremamente particular – revelando uma assinatura autêntica, que antes parecia uma leitura de Michel Gondry ou Spike Jonze sobre seu roteiro, mas em “Sinédoque, Nova Iorque”, prova não ser somente isso.

Caden Cotard é um diretor de teatro que passa por uma crise em seu casamento. Após exibir sua mais nova peça, sua esposa e sua filha mudam-se para a Alemanha. Ao mesmo tempo recebe a informação de que ganhou um prêmio, uma espécie de incentivo, para construir sua mais nova peça. É aqui que aparece a primeira referência a sinédoque do título.

É um personagem muito submisso, que é simplesmente levado ao fluxo dos acontecimentos (Queria saber qual a proximidade entre ele e seu criador). Ao longo do filme, parece acumular a dor dessa submissão, sempre em um processo de reflexão interior, sem nunca compartilhar essa dor com ninguém. Mesmo quando está junto a sua filha, em um momento em que poderia explicar tudo o que aconteceu décadas antes, não o faz, acaba abaixando sua cabeça, repetindo as falsas afirmações feitas por ela.

Durante esse processo de esclarecimento, começa a construir a sua peça megalomaníaca, cuja proposta é reproduzir suas dores, suas angústias e seu silêncio. Tudo passa a ser o simulacro que anestesia o que existe como seu drama pessoal. No cinema autoral existe essa tendência de explorar com minúcia pequenos dramas, e me parece que é um pouco sobre essa exaltação que Kaufman mergulha, justamente por ser um autor desta categoria em uma indústria que não abre muito espaço para isso. Não somente no cinema, no teatro, ou qualquer outro meio de expressão. Kaufman está afirmando a “existência da complexidade” e a “complexidade da existência” do indivíduo que jamais será possibilitado de compartilhar sua amargura. A questão de um observador ter a particularidade de seu repertório revela que somente ele pode criar aquela sua realidade. Aquela sensação que ao longo da vida tentamos exprimir a todo o custo, que evita o sofrimento de uma solidão, ou que pelo menos venha a amortecer isso.

“Sinédoque, Nova Iorque” é um filme que se torna magnífico por deixar todo esse paralelo existente entre a realidade e aquilo que reproduzimos sobre ela. Sobre a própria função lingüística da sinédoque. É também um questionamento a importância de tudo isso diante de uma verdade muito maior que permeia está existência. Este fato do ser, permanecer. Woody Allen, em “Desconstruindo Harry”, afirma: A tradição é a ilusão da permanência. Talvez um pouco descabida seja esta afirmação neste contexto, mas que no fundo acaba por dizer muito sobre a construção de um paralelo a isto que somos, e o quanto alimentamos, sem estarmos verdadeiramente intrigados com estas questões, a ponto de esquecermos o que tudo isso envolve.

Um filme sobre a certeza e a dúvida. Sobre a vida. Coerente e equivocado. Mentiras e verdades. O filme sobre a dualidade de tudo. Sobre o ser e estar e o seu transcender. Um filme sobre o homem.

XXY - Lúcia Puenzo

2009-04-14T19:04:00.000-07:00

Os eventos de XXy seguem um ritmo típico de filmes que buscam explorar profundamente a natureza dos problemas íntimos que abrangem um indivíduo. Isso se dá pela vagarosidade com que alguns detalhes são ricamente valorizados, e que quase passam despercebidos: a profissão do pai, que detém certo conhecimento sobre o assunto, se vê incapaz, por motivos óbvios, de poder fazer algo quanto ao problema de sua filha; a ansiedade, a dúvida, o desejo que aparecem na brutalidade com que Alex (Inés Efron) lida com sua realidade; a sua imagem na primeira cena trazendo a referência a um predador, que nos remete a sua força, a suas questões; a própria ambigüidade do seu nome.

O título já nos situa por onde trilharemos na vida de Alex, mas isso acontece sutilmente na fita. Vivida por uma atriz, além de linda, expressiva, passamos a esperar a sutileza de uma jovem de quinze anos, mas que já se parece com uma mulher e que contrasta com sua inocência. Entramos no mundo de Alex. Na sua realidade, sua insegurança, seus medos, em sua dualidade.

Este é o primeiro filme da diretora Lúcia Puenzo, e que lhe rendeu o Prêmio da Crítica no “Festival de Cannes” e o de Melhor Filme no “Festival de Bangkok” no ano de 2007, e que já nos mostra muito da sua precisão e do que virá a se aperfeiçoar futuramente. O filme perde sua força em alguns momentos, principalmente na questão da sutileza que as primeiras cenas prezaram, passa a existir um didatismo para expressar o drama da família, mas que possui seu mérito por um uso consciente da música que o acompanha. Quando estamos diante de momentos que reluz vida, é pertinente somente pela competência de uma escolha racional dos planos e o desempenho de seus atores. A música é o silêncio de cada personagem, seus olhares. Quando surge, é em momentos claramente desprovidos da tentativa de apelo emocional, e são raros diretores que tendem a valorizar essa questão.

Há um diálogo muito próximo com o filme “Meninos Não Choram” de Kimberly Peirce. A realidade das duas personagens, Alex e Teena (Hillary Swank), não são as mesmas, mas a questão de suas sexualidades está em jogo e claramente situada na exposição diante da sociedade e aceitação, e nas alternativas existentes quanto à própria aceitação. Além disso, uma breve referência a Paranoid Park na cena em que Alex caminha na praia com uma blusa preta sobre a cabeça, além do seu próprio nome que remete ao personagem central do filme de Gus Van Sant.

Quanto à exploração desse mundo, cria-se uma expectativa na apresentação dos personagens, e quando Alex conhece Álvaro, não acreditamos na concretização da atração de ambos ou não somos ousados o suficiente para isso. Em uma cena seguinte remete a isso, a consciência da música vem à tona explicitamente: uma música romântica, que até então achamos fazer parte da trilha sonora do filme, toca na rádio e Alex o desliga, como se a sua agressividade ou a dificuldade da existência daquele momento não estivesse de acordo com aquele clima que vinha sendo construído.

Resumidamente, XXy é um filme que tem como característica a velocidade do desenvolvimento das situações. Valorizando isso, permite que sintamos a agonia e a jornada de cada personagem ali presente, que são construídos com seus objetivos perfeitamente amarrados uns aos outros. Algumas coisas faltam, mas nada sobra.

Mifune - Søren Kragh-Jacobsen

2009-03-17T13:48:00.001-07:00

Quando você tenta explicar para alguma pessoa que desconheça o movimento Dogma 95 geralmente é uma lástima, e nas primeiras características que você começa a apresentar, bocas tortas e qualquer tipo de onomatopéia manifesta o descaso das pessoas que estão desconectadas dessa proposta. Não cabe aqui justificar a qualidade dos materiais produzidos diante das circunstancias do manifesto e muito menos explicar detalhadamente o que é/foi, já que provavelmente muitos fechariam a janela que contém este texto ou fariam como especificado a cima. Mas mesmo assim vou tentar esclarecer algumas coisas da forma menos repulsiva e simplória possível.

Um grupo de cineastas dinamarqueses, primeiramente fundado por Thomas Vinterberg (Festa de Família) e Lars von Trier (Os Idiotas), e futuramente a inclusão de Søren Kragh-Jacobsen (em questão) e Kristian Levring (O Rei está Vivo), criaram uma série de regras que desconstruíssem a proposta estética dos filmes comerciais, principalmente dos ditos Hollywoodianos. Resquício claro do que foi o Neo-Realismo Italiano, diferenciando-se principalmente por não surgir diante das condições de um pós-guerra, mas da clara necessidade de se criar filmes mais realísticos e diminuir a distância entre o espectador e a história contada, evitando a superficialidade que vinha ocorrendo.

A câmera na mão (uma das obrigatoriedades) é o principal fator que quebrar a ilusão da “magia” do cinema e alimenta a idéia de se contar uma história sincera e que poderia estar muito próximo da nossa realidade. Além das outras “artificialidades” que são rigorosamente proibidas, a imagem não possui nenhum tratamento, o que sempre traz a impressão de estar sendo registrado por qualquer um que ali estivesse presente.

Mifune foi produzido em 1999 e conta a história de um homem que recebe a noticia na manhã seguinte da sua noite de núpcias que seu pai faleceu e precisa voltar para sua cidade natal o mais rápido possível. Ao chegar, não sabe como resolver a situação de seu irmão deficiente mental que vivia sobre os cuidados do pai, e enquanto tenta solucionar esse problema contrata uma empregada para ajudá-lo no dia-a-dia. A jovem moça que vem para o cargo é uma prostituta que sob ameaças, esta procurando um refúgio e acaba se envolvendo nos problemas dos dois.

Essa historia simplória ganha magnitude diante de uma complexa relação entre a naturalidade trágica das situações e a comédia inserida no espírito de superação dos personagens que muitas vezes soa com certa superficialidade, mas é ai que o filme se diferencia: o cinema está livre de uma grande produtora para contar a história sem as rédeas morais, fazendo com que tudo seja muito profundo. E ainda traz à tona a idéia de imaginar que essas reações não deixem de ser verdadeiramente humanas e até mesmo previsíveis, além de em certos momentos ficarmos encantados com a infantil construção do samurai Mifune, no contexto da relação dos irmãos.

O filme é o terceiro produzido para o manifesto DOGMA 95 e com certeza contrasta com os dois filmes anteriores – Festa de Família e Os Idiotas – mas não em relação ao que existe como proposta, e sim por uma carga dramática tão forte quanto os anteriores, mas que nos surpreende pela superação. E mesmo que possam existir críticas a respeito da narrativa e propostas de análise de um crítico que venha supostamente guiar ou influenciar o trabalho de um cineasta, Søren Kragh-Jacobsen parece ser muito sincero ao contar sua história, sendo efeito da sua estética ou não, e isso faz o seu filme, e grande parte dos produzidos com o “selo” Dogma 95 serem magníficos.

Crepúsculo - Catherine Hardwicke

2009-03-10T11:00:00.000-07:00

Eu não acredito que existam filmes ruins. Eu acredito que existam filmes que não cumprem com sua proposta, filmes que me desagradam pelos seus temas e filmes que são mal produzidos – seja má produção, direção, finalização etc.

No caso de “Crepúsculo” da diretora Catherine Hardwicke (“Aos Treze”) há diversos fatores que nos forçam a dizer/escrever críticas pejorativas a respeito do filme, mas isso se deve ao distanciamento criado entre nós, como críticos, e da proposta apresentada. O livro homônimo que dá origem a esse filme já de cara não promete muita coisa. É um livro criado para o público adolescente e toda sua construção não tem pretensões de educar, ampliar horizontes ou qualquer coisa que críticos adoram exaltar ou notar a ausência. A partir daí, devo analisar como um conto de fadas filmado, e não buscar a critica como se estivessemos frente a uma obra de Fellini.

O filme apresenta a mesma proposta. (exceto no discurso “Não coma carne! Seja Vegetariano” que não existe no livro) É um Blockbuster baseado em um Best-seller que tem como única finalidade reverter-se em lucro. E posso dizer com clareza que o filme só existe por que há interessados em consumir esse tipo de entretenimento e partindo daí, não há as questões mais pertinentes a se discutir. Talvez.

O que acontece em “Crepúsculo” é que Catherine Hardwicke provou que não tem o mínimo talento para ser diretora, ou que precisaria de alguns anos de experiências em curtas-metragem para talvez desenvolver melhor suas questões técnicas. Não sou daqueles que procuram erros de seqüência na montagem, que pontuam cada movimentação da câmera para dizer se aquilo funciona ou não, ou os que fazem comentários pejorativos e gratuitos a respeito de atuações.

Mas há grandes falhas que atrapalham o desenrolar da narrativa do filme, e isso é uma questão muito básica. Não estou preocupado nos pontos levantados por alguns críticos como “a diversidade étnica em uma cidade de 3.000 habitantes” ou “eles são tão pálidos que seriam suficientemente estranhos em meio aos outros”, isso faz parte do contexto em que essa produção está inserida, - ou seja, são comentários pobres e vazios. O que me interessa é entender o porquê de histórias tão pobres como essa fazem com que adolescentes do mundo todo fiquem encantadas ao ponto de consumir qualquer produto relacionado ao livro/filme, sendo que o filme (o livro eu não li) não é um bom “espetáculo” ou de relevância intelectual – na cena em que Bella leva seu pretendente para a floresta esperando dele explicações sobre os eventos ocorridos, acontecem movimentações de câmeras que simplesmente são “feias” e a todo o momento quebra a expressão dos atores com cortes e junções amadoras que desfazem toda a “magia” que a diretora talvez tenha buscado transparecer. E as pessoas compram isso. Que efeito é esse sobre os adolescentes?

Tenho o hábito de ver o filme como espectador. Somente quando algo me surpreende é que assisto pela segunda vez com a intenção de aproveitar o que há de especial. Só que quando comecei a ver “Crepúsculo” eu sabia que não podia esperar muita coisa, e muitas vezes eu sorri para determinadas situações, por mais bobas que fossem. Não culpo a produção, a direção ou qualquer setor técnico pela má qualidade do filme. Não há desculpas também por se dizer que é um filme de entretenimento. Um entretenimento pode ser sagaz e inteligente – seja nas questões que aborda ou na sua construção fílmica.

Mas no final das contas, é um filme mal dirigido, me desagrada na sua temática, é mal produzido, não possui questões técnicas relevantes, mas cumpre sua proposta., que é seduzir o público adolescente. E para o tema desta proposta cumprida talvez seja mais relevante uma análise sociológica.

Milk - Gus Van Sant

2009-02-27T20:46:00.000-08:00

Os filmes que já assisti de Gus Van Sant foram “Gênio Indomável”, “Elefante”, “Últimos Dias”, “Psicose” e “Paranoid Park”. A verdade é que dentre esses filmes, nenhum me chamou a atenção, tanto que recentemente, devido à convivência com pessoas que veneram seu trabalho, acabei por rever algum desses e procurei pelos outros, um tanto quanto de difícil acesso. Não tenho afinidade, essa é a grande verdade.

Acabei de assistir a “Milk” e estava, sim, com certa resistência. Embora Sean Penn no elenco, junto com um grupo de peso (que bela surpresa James Franco e o irreconhecível Emile Hirsch), tinha que conferir o quinto e ultimo filme, dentre os cinco indicados na principal categoria do Oscar. Quando me deparei com a sinopse, por se tratar de um dos precursores do movimento pelos direitos dos homossexuais, percebi que não poderia deixar de conhecer a vida desse ativista político, já que sou grande questionador (com a intenção de estudar esses movimentos) daqueles que se posicionam diante de uma causa sem terem uma visão do contexto e que se limitam somente a meia dúzia de argumentos e partem para uma briga agressiva.

Não estou insinuando que pensava ou penso isso a respeito de Milk, ou sendo inocente ao ponto de ignorar o fato das pessoas se manifestarem da forma que lhe são cabíveis, mas sempre reavalio os participantes de movimentos sociais, que ao tentar conquistar o seu espaço, desconhecem o efeito e a abrangência de suas argumentações e principalmente de seus atos. Mesmo ciente que a postura tomada muitas vezes é efeito colateral do próprio meio, acredito que haja a necessidade de se levar em consideração essas posturas, mas que estão protegidos por um discurso idealizador de qualquer opinião contestadora.

Harvey Milk foi um ativista, que o filme se preocupa em mostrar, detentor de uma consciência critica que enriqueceu seus discursos e fortaleceu seus apoios. Não há agressividade em suas palavras. É sempre uma tentativa – humana – de encontrar e valorizar sua identidade, respeitando (nunca divergente dos próprios propósitos), mesmo aqueles que se opõem a suas intenções. Sabendo a hora exata, por motivos de defesa, de usar a força.

Mas esse é outro rumo tomado dentro dessa questão que o filme aborda. Antes de tudo Harvey tinha uma vida pessoal, e Van Sant se predispõem a contar seus casos de amor em paralelo às conquistas e decepções políticas. Em cima do ator Josh Brolin constrói a figura de Dan White, um adversário político de Milk preso a tradições da moralidade norte-america, e que espelha muito do caráter (estereotipado ou não) e da falsa conduta da cultura America. Tudo é um jogo de interesses, mesmo quando se esconde por detrás de um discurso dito “ético”.

Acredito que o grande valor deste filme está na possibilidade de se explorar temas e subtemas dentro desse mesmo assunto, e acredito que o texto propõe essas análises:

- Os Movimentos Sociais e a exatidão do seu foco em relação aos seus interesses.
- A flexibilidade moral norte americana em relação aos interesses políticos e financeiros.

O Filme é mais do que merecedor de todas as ressalvas que obteve, principalmente de ser lembrado como um dos cinco melhores do ano e premiar um dos melhores atores da atualidade. Sean Penn dispensa comentários, assim como quase todo o elenco, que parecem estar convictos da paixão que existia na vida de Milk, e retratam vividamente a sua trajetória. Quanto à sinopse: É um filme que relata a trajetória de Harvey Milk. O resto, o filme fala por ele mesmo. E me convence da idéia de rever mais uma vez a filmografia de Gus Van Sant.

O Melhor de Mim - Roser Aguilar

2009-02-26T12:51:00.000-08:00

A abertura do filme, em seus primeiros dez minutos, me atraiu devido à semelhança que busco na questão de ritmo narrativo para as minhas histórias. Nesses dez minutos sabemos que a história de Raquel e Thomas não vai exceder além de uma trama pontual que explorará as questões interiores do relacionamento entre duas pessoas.

Raquel e Thomas possuem um relacionamento que acaba de se consolidar com a idéia de irem morarem juntos, já que ela trabalha em uma rádio durante a madrugada e ele é um atleta que necessita estar treinado para os campeonatos durante o dia, e isso é a forma que encontraram de passarem mais tempos juntos. A questão pontual é a descoberta que Thomas possui uma hepatite aguda e provavelmente venha necessitar de um transplante de fígado e o filme não foge dessa questão e nem é pretensioso a ponto de levantar discussões imprudentes e desnecessárias. É uma história humana.

A tomada que mais me remeteu a totalidade da idéia do filme – as questões dos valores do amor, as inquietações, as dúvidas – é quando Raquel esta sentada frente a uma praia e as ondas vem e voltam em sua direção. E isso mostra o quanto o filme é carregado de sutilizes, enriquecido pela atuação de Marian Álvares, que além ser uma atriz belíssima, cria uma personagem viva, determinada, mas contraditória, que traz à tona toda a proposta da diretora Roser Aguilar (que divide os créditos do roteiro com Orion Capel) e de sua equipe, quase toda composta por ex-alunos da faculdade que se formou; ESCAC – Escola Superior de Cinema i Audiovisuals de Catalunya.

“O Melhor de Mim” não é um filme de grandes proporções na questão da visibilidade do mercado internacional, já que essa é uma das grandes dificuldades do cinema Europeu, e provavelmente no Brasil ele não venha a ser lançado, mas existindo a oportunidade, deve ser apreciado com muito carinho.

Vermelho Como o Céu - Cristiano Bortone

2009-02-24T20:15:00.000-08:00

“Vermelho Como o Céu” não seria uma boa escolha para exemplificar as características estéticas presente no cinema italiano. É um cinema, sim, de forte apelo emocional – relacionado à família principalmente – mas que minimiza essa dor com a superação. Não estou sendo nenhum estraga prazer ao relatara a superação, já que isso seria uma simples leitura da jornada de Mirco, que ainda muito jovem, na década de 70, perde sua visão após um acidente com a espingarda de seu pai. Após o incidente, ele é levado a uma escola especial para garotos deficientes visuais, já que o Estado italiano não permite que estudem em colégios “normais”.

Apaixonado por cinema, Mirco passa a comunicar-se com esta arte através do som, primeiramente indo ao cinema e notando que se é possível entender a narrativa somente com os diálogos e os outros sons produzidos – valorizando o papel do som no cinema, muitas vezes ignorado por sermos educados a valorizarmos a visão -, como passa a fazer suas próprias produções, uma espécie de radio novela, em que desperta a busca pelos materiais que possam vir a reproduzir os efeitos desejados para suas estórias.

É um filme simples que busca contar a história real do Editor de Som Mirco Mercaccio, mas que tem como plano de fundo o resistencialismo dos que renegam a idéia do novo, a quebra de paradigmas e principalmente as relações interpessoais entre esses que evitam reconhecer – conscientemente ou não – algo que possa vir a modificar o seu meio. Como a leitura da frase “Grandes almas sempre encontram forte oposição de mentes medíocres.”, que pode parecer exagerada nesse contexto, mas que não foge por completo dessa idéia.

Com essa simplicidade, vamos aos poucos entrando no mundo dessas crianças. Não de uma forma abrupta como em filmes que buscam trazer – com suas boas intenções, ou não – retratos de uma determinada realidade, mas de uma forma a criar uma breve e singela experiência e da possibilidade se explorar determinadas qualidades, mesmo quando, em alguns momentos, elas apenas se destacam em meio a uma tragédia. É uma história de superação. Simples e verdadeira, que não se perde em meio de “propagandismo” de códigos morais ou apelos misericordiosos.

O Leitor - Stephen Daldry

2009-02-07T20:16:00.000-08:00

São raras às vezes em que leio a respeito de um filme antes de escrever sobre ele. A respeito de “O Leitor”, me senti um pouco incomodado de não saber o que a mídia estava dizendo a respeito do filme. Então acabei por ler alguns jornais e sites para comparar a minha opinião. Não com medo de fazer comentários “contra-corrente”, mas por pura curiosidade, já que após assistir ao filme tive uma ótima impressão e queria logo digerir aquela idéia e para tentar expor algo que reflito a respeito desse tema.

O site “Omelete” (http://www.omelete.com.br/) começou fazendo comentários a respeito da vitória de Kate Winslet no globo de ouro nas duas categorias, melhor atriz em drama (Foi Apenas um Sonho) e melhor atriz coadjuvante (O Leitor), o que cria certa estranheza já que no Oscar, Kate foi indicada por “O Leitor” como melhor atriz e não como aconteceu no Globo de Ouro. A partir dessa nota, e a do jornal “A Folha de São Paulo” notei o destaque sobre o tema “Filme de Holocausto” em ambas – Lógico, já que realmente se trata de um filme sobre o Holocausto – e comecei a tentar imaginar o porquê de outra perspectiva que tiver com essa temática.

Trata-se de um tema que sempre me intrigou muito, principalmente pela posição, muitas vezes mal interpretada (ou mal colocada), e muito contestadora. O filme conta a história de um jovem de 15 anos, Michael Berg (David Kross), que vive na Alemanha Pós Segunda Guerra, e demonstra-se ser um garoto muito inteligente. Um dia conhece ao acaso Hanna Schmitz (Kate Winslet) que o ajuda no meio da rua quando está passando muito mal. Futuramente isso se transforma em uma ardente relação, ele sendo tão jovem e ela uma mulher mais velha. Uma relação em que ela tem como maior prazer, o ouvir lendo para ela, enquanto ele a deseja carnalmente com toda a euforia de um jovem de 15 anos.

A temática do pós-guerra não vem de forma direta e explícita, como ressalta “Cássio Starling Carlos” – Crítico da Folha – quando cita a visão alemã desse momento, principalmente quando coloca Fassbinder na sua nota. E isso me remeteu rapidamente a construção daquela Alemanha que precede os tempos da guerra, trazendo um novo ponto a se analisar, na sua obra clássica “Berlin Alexarderplatz” – adaptação do livro homônimo de Alfred Döblin.

A idéia que tento ressaltar é da existência dessa áurea “do maligno” sobre o que foi o nazismo e a não a abertura para uma análise do que realmente desencadeou os acontecimentos da primeira grande guerra e o que foi esse levante ocorrido nesse país. Não se mobiliza um país ideologicamente da noite para o dia se o seu discurso não parece plausível em um contexto.

Em uma das seqüências do filme, as pessoas se manifestam contra alguns nazistas que estão sendo julgados, e essa cena me remeteu muito a essa idéia da imponderação, característica clara do que é uma opinião de massa e que muitas vezes desconsidera inúmeros fatores que desencadeiam tais conseqüências. Como disse antes, é uma leitura fria e não uma tentativa de justificar os ideais nazistas, mas de levar em consideração o que é a lógica do sistema que se vivia no início do século, principalmente a das grandes potências.

O roteiro é muito bem trabalhado e merece o reconhecimento, seja premiado em grandes festivais ou pela contemplação do espectador. Vale pela coerência de cada diálogo, cada plano, cada minucioso detalhe.

Dúvida - John Patrick Shanley

2009-02-07T09:50:00.000-08:00

Somos apresentados a uma escola católica tradicional dos anos 60 que vem aos poucos passando por algumas mudanças ideológicas. O tradicionalismo ainda persiste devido à presença da irmã Aloysius Beauvier (Meryl Streep, maravilhosa), pouco tolerante e que trata a todos debaixo de regras muito rigorosas. Em contra ponto está o padre Flynn (Philip Seymour Hoffman, maravilhoso) que trata a todos com muito amor e compaixão, sempre atencioso e suscetível as novas mudanças de comportamento da sociedade que vem atingindo a todos e cada vez mais presente dentre seus alunos.

O período é de fortes mudanças e com isso a escola aceita seu primeiro aluno negro, o que leva a irmã Aloysius a ficar cautelosa com a postura da escola diante dos outros pais. Já o padre Flynn passa a dar atenção a esse aluno, o que leva a inocente irmã James (Amy Adams) - influenciada pelas suposições da irmã Aloysius - a desconfiar desse relacionamento e alimenta as dualidades existentes no comportamento dessas duas personagens.

O filme é dirigido por John Patrick Shanley, baseado na peça escrita por ele mesmo e que diz ser inspirada nos acontecimentos da sua infância. A construção dos personagens acontece de forma natural e muito eficiente. Já nas primeiras cenas sabemos muito a respeito da personalidade do padre e da irmã em questão, distantes e claramente apresentados em mundos completamente distintos, o que leva a antipatia da irmã pela figura do padre, além de estar sempre incomodada com quebras de paradigmas a que ela tanto valoriza dentro de sua tradição.

Dessa peça eficiente, a trama parece somente se construir durante todo o filme, deixando de se preocupar com o que vai trazer como um desfecho ou solução para o problema, e isso é o que faz dela muito interessante. A relação do padre com o jovem a todo o momento é tratada aos olhos da irmã, que por mais que estejamos contrários a ela, começamos a criar as suposições do que realmente possa ter acontecido.

É dessa construção que vem às dúvidas, ou a dúvida, do título e que finaliza aos poucos esse belo filme, que na sua última fração de segundo, com uma fala da personagem de Meryl Streep, nos joga a uma solução didática (essa minha tese já contestada logo após a exibição do filme quando encontrei alguns amigos e debatemos sobre o assunto) que mais parece uma má escolha de uma série de possibilidades de finais alternativos, e que não faz funciona como pareceria, e que mantém a possibilidade de refletir mais sobre o que motivou a personagem a desconfiar do padre, o que talvez tenha ficado meio óbvio durante suas conversar, do que realmente nos focarmos na verdadeira intenção do autor, quando ele mesmo assume; “não estou tentando enganar o espectador, criar um quebra cabeça. Estou tentando recriar a experiência que tenho e convidá-lo a costumar-se à idéia de que não se pode saber tudo”, só que infelizmente, nesse desfecho, nós confirmamos coisas que realmente não eram necessárias se confirmar, e que parece ter perdido muito do que estava ali proposto.

Contando com um elenco de primeira - Meryl Streep, Philip Seymour Hoffman, Amy Adams e Viola Davis (que com menos de dez minutos de aparição arrasta o filme para uma perspectiva completamente nova) – é um filme que não se pode deixar de conferir e se faz muito competente.

A Liberdade é Azul - Krzysztof Kieślowski

2009-02-01T15:43:00.000-08:00

Foi o primeiro filme de “arte” que fui atrás por conta própria. Tinha por volta dos meus 17 anos e foi quando ouvi um senhor de aproximadamente seus 60 anos comentando a respeito de “lirismo” e “poética”. Conhecia bastante a respeito de cinema, mas foi um choque estar diante de uma nova realidade que desconhecia. O meu cinema era saber sobre todos os lançamentos e suas respectivas fichas técnicas, assim como apostar com amigos quem iria assistir primeiro todos os filmes em cartaz.

Mentira. Eu nunca tive um amigo que fosse tão desprendido da realidade para fazer essas “loucuras” que assim diziam. Então eu fazia sozinho. E eu sempre gostei. E gostei mais ainda quando houve essa quebra de paradigma. Era a primeira vez que poderia aprender de verdade alguma coisa. Que sairia do âmbito entretenimento e passaria a conhecer a verdadeira proposta do cinema.

Assim que ouvi o comentário desse senhor, fui atrás e levei a primeira parte da “Trilogia das Cores” para minha casa. Por esses anos sempre levei toda a narrativa comigo. Uma mulher que após perder seu marido e sua filha em um acidente, passa a renegar a existência de ambos. Ele era músico e escrevia uma ópera em homenagem a União Européia. Ela, também musicista, era quem fazia ajustes e muitas vezes até escrevia as peças. Nesse contexto ela passa a sentir-se pressionada a continuar esse trabalho. E dessa narrativa muito simples, por muito tempo foi somente mais um filme que assisti e não sabia o motivo de ter gostado tanto. Não me questionava também a respeito disto. Mesmo sem saber por que gostava de filmes mais simples, descobri que cinema fazia parte da minha vida, e que seguiria isso, fosse como hobby ou como profissão.

Passado mais de cinco anos, revi a obra prima de Krzysztof Kieślowski que tanto mexeu comigo. A leitura foi completamente surpreendente relativa a estrutura do roteiro, a construção da personagem, a fotografia sem igual de Slawomir Idziak, entre todo o, agora entendíveis, “lirismo” e “poética” que fazem parte dessa narrativa imagética.

Destaco a cena em que Julie, a personagem que vive esse drama, faz uma leitura da peça inacabada. A câmera foca nota por nota e a trilha sonora acompanha essa leitura. O efeito é mágico e uma das cenas que mais mexem comigo, assim como a cena de “A Dupla Vida de Veronique”, também de Kieślowski, quando Veronique vê a si mesma em uma praça onde há uma revolta de estudantes.

É um conjunto belíssimo. De uma perfeita trilha sonora a imagens sem iguais. É um bom começo para quem, assim como eu fiz e faço, começa aprender um pouco mais sobre cinema, nessa jornada de conhecimento infinito.

Sim Senhor - Peyton Reed

2009-01-31T21:00:00.000-08:00

Boas risadas e algumas piadas inteligentes que funcionam. Alguns momentos de liberdade para Jim Carrey ser aquele velho rosto de borracha e totalmente escrachado em algumas situações. Vale ressaltar também que Peyton Reed é um diretor com um pequeno currículo e de nenhum filme de grande destaque, seja em questões fílmicas ou sucesso nas bilheterias.

O filme conta a história Carl Allen, um homem que trabalha com empréstimos em um grande banco, onde sempre nega os pequenos pedidos feitos a ele. Além disso, nega também a todo o momento relacionar-se com amigos, fugindo de situações que possa fazer com que ele se esqueça da sua ex-mulher. Até o dia em que um velho amigo aparece em seu horário de almoço e diz que um programa de “auto-ajuda” (em nenhum momento tratado assim no filme) mudou sua vida, e que ele deveria experimentar. Depois de um estranho sonho, resolve conhecer essa filosofia e assim passa a dizer “sim” para tudo aquilo que lhe é proposto.

Não é uma das mais brilhantes oportunidades de apreciar o trabalho de Jim Carrey. Chega a ser um filme que desperdiça o talento cômico e dramático do ator, mesmo apoiado pela doce Zooey Deschanel, que se destaca cada vez mais em grandes produções de Hollywood.

Baseado no livro homônimo de Danny Wallace, o filme acaba por trazer bons momentos. “Sim, Senhor” é uma boa opção de diversão para o final de semana, mas o filme termina ali mesmo, logo após a sua exibição.

Desconstruindo Harry - Woody Allen

2009-01-27T20:04:00.000-08:00

Woody Allen declarou após rodar “Scoop – O Grande Furo” que passou a encontra dificuldades em criar personagens que correspondam a sua idade e que futuramente seria cada vez mais difícil estar atuando em seus filmes. Mesmo hoje essa profecia se concretizando, dez anos atrás trazia freqüentemente aquele ser complexo e de um incrível poder de auto-avaliação que sempre questionava e trazia valores humanos em seus discursos.

Trata-se de um diretor com uma linguagem tradicional que tende a explorar os seus personagens em situações atípicas, fruto de suas neuroses e paranóias, sendo essa a marca principal da construção de seus roteiros. Em seus dramas, isso está implícito nas tramas exóticas, que das situações normais do dia-dia, transformam-se em constrangimentos e reflexões embasada nos textos e idéias de grandes pensadores da humanidade.

Em “Desconstruindo Harry” temos um escritor que passa a enxergar em seus personagens o reflexo dos seus constrangimentos e dificuldades em conviver com pessoas que não competem de seus valores. Assim, como na seqüência genial em que visita sua meia irmã que não vê há quatro anos e discutem os valores judaicos que ela seguiu e ele renegou, temos a dimensão do que é estar diante da linha de pensamento de Allen. Inclusive, é nessa mesma seqüência que ele utiliza o seu melhor e mais afiado argumento, que se não for percebido, volte a fita e reveja, nem que seja mais de uma vez.

The Science Of Sleep - Michel Gondry

2009-01-18T11:32:00.000-08:00

Uma grave questão ao acesso de determinadas obras internacionais está relacionado diretamente com distribuidoras e seus interesses comerciais. Não cabe acusá-las por não terem interesse em tornar acessíveis determinados matérias que são considerados de grande risco, e que muito dificilmente, devido aos altos custos em promover uma campanha de marketing, acabam optando pelo não lançamento de determinados filmes. Dentro da lógica desse sistema comercial, não há nenhum argumento que justifique criticar sua postura.

Mas muitas vezes o público interessado é prejudicado ao não ter acesso a esses materiais. É o caso de muitos filmes, assim como “Beijo na Boca, Não” de Alain Resnais que originalmente estreou em 2003 nos cinemas franceses e somente no ano de 2009 nas telas do Brasil. “Science Of Sleep” também se torna uma vítima dessa situação. Lançado originalmente em 2006, ainda não há uma data prevista para chegar ao país, mesmo considerando que outro filme do diretor Michel Gondry já fora finalizado e esse sim, disponibilizado para o público.

O que faz valer refletir diante desta situação é o personagem Stéphane Miroux, um jovem que após a morte de seu pai, volta para a casa de sua mãe na França com a promessa de um emprego como ilustrador. Inusitadamente conhece Stéphanie, sua vizinha da qual compactua em um primeiro momento com sua mente imaginativa. É assim que vamos notando quem é Stéphane. Quando está dormindo é o apresentador de um programa de TV chamado “Stephane TV”. Esse programa é um ambiente todo feito de sucata, que remete diretamente ao estilo experimental do diretor, e sendo assim, é nesse espaço que acontece toda sua reflexão amorosa e da sua relação com o trabalho. Além disso, quando está acordado, dificilmente diferencia a realidade e a fantasia, vivendo em um mundo particular a todo o momento.

Contexto esse perfeito para a mente imaginativa de Gondry, que desta vez além de dirigir, foi autor do roteiro, permitindo explorar todo seu capricho artesanal e simplório, que resulta positivamente em um mundo ficcional, infantil, onírico. Características sempre presentes em seus filmes anteriores (“Brilho Eterno de Uma Mente sem Lembranças”, “A Natureza Quase Humana”, “Rebobine, Por Favor”), mas que dessa vez trazem aspectos biográficos e permite acreditarmos em algum momento que realmente a mente desse peculiar diretor funcione dessa forma. E isso o torna brilhante.

O Lutador - Darren Aronofsky

2009-01-17T22:08:00.000-08:00

Darren Aronofsky é um dos muitos diretores que lançaram sua carreira vencendo o festival de Sundance. Desse momento em diante passou a criar novos projetos, mas sempre levando muito tempo para elaborá-los e finalizá-los. Na sua ainda curta carreira, de aproximadamente 10 anos, tem apenas três filmes em seu currículo, sendo “O Lutador” o quarto.

Muitas vezes foi alvo de duras críticas. “Pi” é um filme complexo e exige uma atenção especial. “Réquiem para Um Sonho” é denso e visceral, muitas vezes taxado de moralista e fatalista. Já com “Fonte da Vida”, mergulhou no paralelismo da ciência e a metafísica, resultando em certo “desinteresse” do público em geral.

Em 2008 parece chegar seu momento. Apresentando seu novo filme “O Lutador”, trás Mickey Rourke em um personagem calejado tanto no físico quando no emocional. Ele é Randy, um lutador que após viver seus tempos áureos na década de 80, está decadente e vive na margem da sociedade, esquecido e somente praticando lutas amadoras nos finais de semana. A única pessoa com quem mantém alguma ligação é com uma stripper que visita freqüentemente, sendo que não tem mais contato com sua única filha.

Esse é o ponto de partida de Aronofsky para colocar em prática uma narrativa atípica em relação a seus filmes anteriores. Ao contrario da montagem frenética de “Pi” e “Réquiem para um Sonho”, optou por acompanhar bem próximo a angustia de seu personagem, assim como abdicou dos efeitos especiais mirabolantes vistos em “Fonte da Vida” para um fotografia árida, onde é explorada em pequenos detalhes. Um exemplo claro desses detalhes é no momento em que conversa com a stripper em frente a uma loja e do outro lado da rua pode-se ver um templo da igreja universal.

É isso que faz de “O Lutador” um filme interessante e realmente merecedor do Leão de Ouro em Veneza, assim como o Globo de Ouro de Melhor Ator para Rourke que realça a amargura e os rústicos traços de Randy, que seja ele o estereótipo do “Durão”, não deixa de carregar seu lado humano, buscando reestruturar aquilo que realmente possa afirmar esse seu lado e que o mantém vivo.

Gran Torino - Clint Eastwood

2009-01-16T17:18:00.000-08:00

Nos últimos cinco anos, Clint Eastwood dirigiu filmes de tirar o fôlego. “Sobre Meninos e Lobos”, “Menina de Ouro”, “A Conquista da Honra”, “Cartas de Iwo Jima” são grandes filmes de linguagem clássica, que defendem a idéia de que a linhagem tradicional possa, sim, muitas vezes superar as expectativas de quem possui certo preconceito dos produtos de Hollywood.

Gran Torino é a história de um veterano da guerra da Coréia (Eastwood) que passa a conviver, forçadamente, com orientais que se mudam para seu bairro. Assim vê o ascender das gangues e dos conflitos.

Preconceituoso, evita o contato e até mesmo um simples cumprimento, até o dia em que protege sua jovem vizinha e começa a dar mais espaço para conhecer sua cultura. Mas a amizade começa a crescer mesmo é entre o velho veterano e o irmão dessa jovem. É ai que entra o Gran Torino. A mando de uma gangue o jovem é incumbido de roubar o carro, mas o velho intercepta a ação e fica curioso em entender os motivos desse garoto que sempre se demonstrou outra postura.

A partir daí estamos conduzidos pelo ritmo de Eastwood. Assim como seus últimos filmes, parece ser uma fórmula perfeita que encontrou de dirigir seus filmes e contar belas histórias. Poderia soar repetitivo, mas certos encantos contornam esses detalhes que nunca atrapalhou e aparentemente não vai atrapalhar tão cedo.

Ao contrário de muitos diretores que vem amadurecendo, mas ao mesmo tempo se afundando em apáticos roteiros e direções preguiçosas, Clint demonstra que a idade joga a seu favor. Ele encontrou seu estilo e felizmente explora isso da melhor forma possível.

Foi Apenas um Sonho - Sam Mendes

2009-01-16T16:05:00.000-08:00

A primeira impressão que se pode ter ao ver a ficha técnica de “Foi Apenas um Sonho” do diretor Sam Mendes (Beleza Americana e Soldado Anônimo) é de que iremos reviver o romance de Jack e Rose, personagens principais de Titanic (James Cameron). Nos primeiros 30 minutos do filme esse “pré-conceito” pode ser deixado de lado, pois estamos diante de um Leonardo DiCaprio muito maduro, mostrando que a cada filme que passa acumula experiências e transmite isso em um personagem complexo do qual Mendes mergulha em seu psicológico. Junto a ele temos também a duplamente vencedora do Globo de Ouro deste ano, Kate Winslet, que novamente dispensa comentários.

O filme é sobre Frank (DiCaprio) e April (Winslet), um jovem casal que deixaram seus sonhos de lado para viverem uma vida comum na Revolutionary Road (Título Original do Filme) onde Frank estaria diante de um emprego que sustenta toda sua família e April torna-se uma dona de casa onde não faz mais do que manter os vínculos sociais e cuidar de seus filhos. O ponto de partida da trama é justamente a insatisfação de April. Gostaria de ter sido atriz, mas devido a uma falta de talento e de não poder continuar investindo na carreira devido ao casamento, acabou abandonando-a. Sendo assim, Mendes explora a dificuldade das pessoas se movimentarem dentro de uma estrutura rígida do sistema, que a partir de certo momento tudo parece estar moldado e funcionando perfeitamente. Daí talvez venha o título “Revolutionary Road” que reforça todo esse ambiente. Uma ironia entre o movimento e a estagnação e do ato de compactuar com a falta de escolha que nos é oferecido.

O filme estréia dia 30/01/2009 no Brasil

"O Curioso Caso de Benjamin Button" - David Fincher

2009-01-10T20:00:00.001-08:00

Há diretores que também escrevem e aqueles que somente dirigem. Há roteirista que usam suas idéias para novas histórias, e há aqueles que adaptam de outros. Há diretores, assim como Woody Allen, que criticam a classe dos roteiristas que adaptam e dos diretores que não escrevem.

David Fincher é o diretor que se encaixa nesse perfil. Dos seus sete longas-metragens, sempre trabalhou ao lado de um roteirista. Seja em “Seven”, “Clube da Luta”, “O Quarto do Pânico” ou “Zodíaco”, havia a existência de um roteirista que não ele mesmo. E isso não faz de Fincher um diretor menor. Nunca fez.

O seu novo filme é talvez julgado, para aqueles que pensem como Woody Allen, como um filme da pior classe. Trata-se de um diretor que não escreve juntamente com um roteirista que adapta. Mas relativo ao diretor que não se faz menor, “O Curioso Caso de Benjamin Button” é magistral.

Benjamin nasce aos seus oitenta anos de idade e a partir daí passa a rejuvenesce. A narração gira em torno desse universo fantasioso e da paixão que nutre por Daisy. Simplória, mas uma sinopse que não vem a comprometer a delicadeza dessa história escrita por Francis Scott Fitzgerald e toda a atmosfera particular que é criada nesse universo da vida de Benjamin.

O que adianto em relação ao filme são as qualidades técnicas. Efeitos Especiais, Fotografia, Direção de Arte podem vir a trazer, talvez não um Oscar, mas muitos prêmios para a produção. E falando no mais cobiçado prêmio da indústria norte-americana, Brad Pitt pode vir, finalmente, a conquistar o prêmio da academia, sem contar as outras possíveis estatuetas: Cate Blanchett, Roteiro, Direção e até mesmo Filme.

David Fincher não tem filmes parecidos na sua carreira. Cada um possui determinadas particularidades que vem a conquistar o público de modo eficaz. Em Clube da Luta, a narrativa frenética nos conduz dentro de uma paranóia muito bem construída. A morbidez de um psicopata junto com o trabalho fotografia noir de Seven, traz uma agonia plena, que nos faz tentar juntar as peças do um quebra cabeça para sentirmos logo o alívio dos personagens. Já em Benjamin Button a particularidade está presente na inocência de seu personagem, que embora viva dentro de circunstâncias adversas a natureza, possui um espírito e uma paixão pela vida que simplesmente flui.

O Filme estréia dia 16/01/2009 no Brasil.

Pagando Bem, Que Mal Tem? - Kevin Smith

2009-01-07T17:00:00.000-08:00

Em 1994 Kevin Smith foi premiado np “sundace festival” pelo seu filme “O Balconista” (mais conhecido como Clerks) e tornou-se um diretor promissor. Um daqueles que se poderiam esperar novas obras que satisfizessem tanto aqueles em busca de entretenimento, como aqueles que esperam prolongar a discussão do filmes após a sua exibição.

Seu filme seguinte foi “Barrados no Shopping” (Primeiro assassinato ocorrido com o título de seu filme) e decepcionou muito. O enredo girou em torno de um relacionamento banal em meio a atuações insignificantes.E assim, como o esperado, foi um fracasso nas bilheterias.

Em seguida, talvez por ter repensado nos temas que abordaria, criou dois filmes excelentes. Primeiro “Procura-se Amy”, novamente abordando um relacionamento amoroso, mas voltando aos seus diálogos instigantes, e em seguida “Dogma”, do qual mesmo se afirmando católico, ataca diretamente a “marca” Jesus Cristo.

Passada essa boa fase, resolveu fazer um filme encerrando a participação de seus ícones, Jay e Silent Bob. (Que futuramente voltariam na continuação do “O Balconista”) O filme é válido somente para os fãs do diretor, que acompanharam todos os filmes anteriores e conseguem captar os elementos das outras histórias que ali estão presente. Por outro lado é somente uma comédia nonsense, sendo assim, saiu totalmente do seu universo e criou um filme pessoal. “Menina dos Olhos” e uma continuação “sem sal” da sua primeira obra.

Anunciado seu novo projeto, mesmo depois de uma série de fracassos, o tema deu por chamar atenção. Zack e Miri são dois jovens amigos que dividem o mesmo apartamento, mas não conseguem pagar suas contas. Com isso resolvem entrar no ramo do cinema pornográfico.

Por mais bobo que possa parecer, é ainda uma proposta daquele mesmo diretor de 1994, e isso instiga aqueles que o conhecem. Um tema como a pornografia poderia ter rendido muito em suas mãos. Ainda mais com um elenco, que mesmo presente somente em filmes medianos, prometia uma boa comédia, fosse ela ácida ou instigante.

Mas realmente ficou-se somente no “poderia” e foi demonstrado realmente que aqueles filmes anteriores não passaram de um momento específico, e que vai custar a se repetir se a tendência a partir de agora for criar filmes para a satisfação das grandes massas.

Slumdog Millionaire - Danny Boyle

2009-01-04T13:28:00.001-08:00

Resumidamente o termo “slum” refere-se às casas miseráveis na região de Mumbai na Índia, o que seria, em uma comparação grosseira, meros agrupamentos de casas deterioradas, também conhecido como favelas. Essas condições são onde o jovem Jamal cresce ao lado de seu irmão Salim, tentando sobreviver após a morte de sua mãe.

As pessoas que vivem nessa região são os tais “Slumdogs” do título. Diante das condições desumanas, deixadas por sua própria sorte, resultado das práticas imperialistas do começo do século XX, os jovens não são educados e vivem de roubos, bicos e qualquer outra atividade que convenha no momento.

Ainda na sua infância, Jamal conhece Latika, aquela que vem a ser o grande amor da sua vida, mas por desventuras, acabam sempre separados. Com isso, já adulto, imagina que Latika possa estar assistindo ao programa “Who Wants to Be I Millionaire” e decide participar do programa.

Ir muito além pode comprometer a grandiosidade e a peculiaridade do roteiro escrito por Simon Beaufoy (Ou Tudo Ou Nada) que é muito bem dirigido nas mãos do “curioso” Danny Boyle (Trainspotting, Cova Rasa, A Praia) que é um dos diretores mais marcantes da década de 90.

O roteiro constrói a necessidade de conhecermos a realidade da Índia, que pode ficar evidente quando o personagem Jamal, após apanhar de um chofer que acompanha um casal americano, diz para os visitantes: Vocês queriam conhecer a Índia. “Pronto, agora vocês a conhecem”.

E essa necessidade não faz parte somente da situação de Jamal. Baseado no livro “Q and A” do diplomata indiano Vikas Swarup, a narrativa é uma visão ampla do que a Índia é hoje. Mas nada é explicito ou vulgar. Muitas vezes, situações constrangedoras ganham a visão das inocentes crianças, perdendo muito do horror daquela realidade, contrastando diretamente com a movimentação das câmeras que ficam responsáveis pelo transtorno das situações.

O lançamento nos Estados Unidos foi em novembro, sendo assim possível participar do Oscar 2009, já lembrando que fora indicado em três categorias para Globo de Ouro (Considerado por muitos a prévia do Oscar) – Filme Dramático – Diretor – Trilha Sonora – Mas no Brasil a estréia esta prevista para Fevereiro.

Os Estranhos - Bryan Bertino

2008-11-21T13:20:00.000-08:00

A garota está se arrastando pelo chão quando notamos um dos assassinos a seguindo por trás. Ela não o nota, e ele acelera o passo para alcançar e poder por fim matá-la. A vítima percebe que está sendo seguida, e vira-se bruscamente. Para nossa surpresa, o assassino não está mais lá.

Em “Violência Gratuita” (Funny Games de 1996 e re-filmado em 2007) de Michel Haneke, Peter e Paul são dois assassinos geniosos, que buscam se divertir ao matar suas vítimas. Uma releitura dos propósitos de Alex DeLarge (Laranja Mecânica), ou a crítica aos costumes que temos hoje dentro dos filmes com a intenção de entreter.

A primeira cena que fora descrita, a da garota sendo perseguida pelo assassino, pertence ao filme “Os Estranhos”, estrelado por Liv Tyler, e resume muito bem esse paralelo entre os dois filmes.

São filmes totalmente discrepantes e atendem a públicos distintos. Enquanto Michel Haneke nos coloca frente a uma obra-prima de tamanha importância na questão dos valores implícitos na superficialidade da violência dos filmes de “entretenimento” (termo questionável), o diretor Bryan Bertino somente cria mais um filme que se encaixa perfeitamente no estereótipo de Haneke.

A cena descrita anteriormente é inexplicável, a não ser pelo fato de existir para criar um momento de tensão. Por que logo o assassino não matou a garota? Por que quando ela nota que está sendo perseguida, ele desaparece e não continua com a sua reação de ter acelerado o passo para alcançá-la? Somente pelo fato dela o ter notado?
Não é a questão de possuir ou não sentido, e sim das que passam a vir, cada vez mais apelativas e sem nenhum propósito. É talvez o desespero para chegar aos básicos 90 minutos de duração.

Em uma das cenas mais clássica do filme Violência Gratuita, a mãe da família suplica para que os assassinos parem com a tortura psicológica; Paul afirma que a culpa de tudo aquilo que está acontecendo é do telespectador que possui o controle da situação. Logo, em outra cena, afirma que se a violência existe no patamar do “entretenimento” (olha ele aqui mais uma vez), é por que ela existe na vida real, e nós compactuamos com isso.

O filme “Os Estranhos” do jovem diretor estreante Bryan Bertino é a prova da futilidade que o cinema vem se tornando. E não somente baseados no preceito de Haneke, que muitos podem ver como um moralismo barato, mas sim pela idéia de ficar alimentando meios de “diversão” (chega da outra palavra) que não possuem proposta alguma a não ser a de ser um filme apelativo e que ofende a capacidade intelectual de quem o está assistindo.

O Silêncio de Lorna - Jean-Pierre e Luc Dardenne

2008-11-20T18:43:00.000-08:00

Lorna (Arta Dobroshi) quer tornar-se cidadã belga, e para isso finge um casamento com Claudy (Jérémie Renier), um viciado em heroína que somente quando se sente amparado por Lorna, consegue conter o uso da droga. Talvez essa seja uma sinopse simplista do novo filme dos irmãos Dardenne (A Criança) que possuem obras únicas em seus currículos.
Li muitos comentários antes de assistir ao “Silêncio de Lorna”. Todos se atreveram a criar uma sinopse mais “consistente” da trama, e isso me deixou extremamente aborrecido. Não há muito que se falar antes que se tenha o prazer de assistir ao filme. Não somos apresentados diretamente a situação em que as personagem se encontram e ao início do filme, a trama já fora construída e somente temos que aguardar para que aos poucos se contextualize.

SPOILER

O que ressalto primeiramente é a própria personagem que me pareceu buscar uma satisfação “fria. Ela não esta a procura de realizar um grande sonho, e isso a faz mais próxima da realidade. Somente quer estabilizar sua vida ao lado do namorado, conquistando a nacionalidade belga e abrindo seu restaurante junto a ele.
A cena em que dança com o russo claramente remete a essa idéia, de que tudo em sua vida é superficial. Seu trabalho, seu casamento, as pessoas em sua volta, até que, depois de ter se mantido em silêncio de seu afeto por Claudy, cria a gravidez que a remete ao seu estado primitivo.
A fêmea que busca a todo o momento proteger aquilo que prospera; a cria, a sobrevivência, o estado mais nu do ser humano. Sem nenhum subterfúgio assim como a própria história.

Claro que isso pode ser mais simplista ainda quando se generaliza a idéia centrar de um filme. Sem contar as interpretações pessoais dos próprios diretores que podem ter passado despercebidos aos meus olhos, mas arrisco dizer ser algo sensível.
Mas há quem diz que muitas vezes uma obra pode superar até mesmo seu próprio criador, criando perspectivas além das intencionadas, principalmente aos olhos dos que não fazem parte da construção do material.

E essa é a minha contradição; dizer que é um filme que não se deve ir muito além de uma simples sinopse, mas tentando desenvolver alguns pensamentos em cima da sua narração.

Romance - Guel Arraes

2008-11-16T21:21:00.001-08:00

Sei que soa radical quando digo que assim que Guel Arraes se aposentar da produção de filmes e series, a Globo não irá produzir mais nada com qualidade. Sabendo disso, busco justificar esse ponto de vista não querendo cair no clichê da questão de manipulação e controle da opinião pública, e nem seria essa a minha intenção ao comentar os trabalhos do diretor.

No seu livro “A televisão Levado A sério”, Arlindo Machado lista as melhores séries produzidas pela televisão em todo o mundo. Entre Kristof Kieslowski e outros gênios (Fassbinder e Godard), aparece listado o magnífico o Auto da Compadecida de Arraes que infelizmente não fora produzido como um longa metragem para concorrer a festivais e poder se reconhecido pelo público.

Em seu novo filme “Romance”, é justamente esse o ponto que busca questionar. A liberdade de um artista diante das grandes produções, e o que é mais interessante, dentro de um contexto mais real no Brasil, a própria força da televisão diante do cinema (cinema em relação ao próprio filme e o teatro em relação aos personagens.)

Wagner Moura e Letícia Sabatella vivem dois atores que se apaixonam enquanto montam a peça Tristão & Isolda. Paixão essa sustentada pelo próprio espírito da obra e que cria um clima perfeito para se amar e refletir sobre o amor. Após um produtor de televisão assistir à peça, procura assinar um contrato com a jovem atriz, fazendo com que ela se afaste dele devido à dura carga de trabalho e por contradizer os ideais do jovem ator. - “Não se pode fazer televisão e nas horas vagas teatro.” – “As pessoas não vem assistir ao meu trabalho, e sim a personagem da novela das Sete”.

É nesse contexto que Guel Arraes se põem frente à política das obras televisivas (da qual ele mesmo faz parte) e mostra os subterfúgios para se produzir matérias “apropriados” para serem exibidos em cadeia nacional. É uma obra metalingüística belíssima que nasce no momento exato diante desse contexto aonde o cinema vem perdendo espaço no mundo todo diante da pirataria e principalmente das novas mídias que possuem maior poder atrativo. – No teatro eu sei que as pessoas estarão prestando atenção em mim e não de costas lavando a louça.

E em relação a defender a minha opinião a respeito da qualidade das obras do diretor, convido a quem não conhece sua filmografia a buscar por esses matérias, inclusive os direcionados a Rede Globo, que hoje detém um dos melhores roteirista/diretor do cenário cinematográfico brasileiro e que garante um bom entretenimento mesclado com o que há de melhor em quesito arte.

Cashback - Sean Ellis

2008-11-16T09:24:00.000-08:00

Cashback originalmente é um curta metragem de 2004 escrito e dirigido pelo jovem diretor Sean Ellis que viria a rodar o longa para 2006. Procurei pela internet para saber se ambos foram rodados simultaneamente, mas sem sucesso, já que desconfiei das cenas utilizadas no curta que são praticamente as mesmas do longa, que viria a sustentar histórias paralelas e um aprofundamento na narração.

Ben Willis é um jovem estudante de artes que termina com sua namorada e passa a não sentir mais a necessidade de dormir. Para aproveitar essas horas adicionais, vai atrás de um emprego noturno em um supermercado.
O filme não deixa de ser o monólogo de Ben, assim como na versão de 2004, onde reflete a respeito da sua jornada de trabalho e sua visão artística. Com isso, busca encontrar uma forma de passar as suas oito horas de trabalho de forma menos estressante já que o turno da noite não possui muito movimento.

Através dessas reflexões da personagem, nos deparamos com um universo onírico onde resguarda sua paixão pelas formas feminina e a beleza presente no olhar de cada um. E talvez esse seja um dos pontos mais interessantes, já que apresenta cenas de nudez com jovens de beleza “tradicional” (entenda como uma beleza comum associado às propagandas de hoje) e não explora a individualidade dessas mulheres.

Cashback é um ótimo filme, e explora muitas questões a respeito da beleza, trabalho e escolhas, mas se perde em certo receio, ou falta de ousadia para explorar um cinema que aparentemente se perde por interesses de rentabilidade.

Nós Que Aqui Estamos, Por Vós Esperamos.

2008-09-01T20:49:00.000-07:00

Este texto foi escrito para a minha última aula de língua portuguesa na faculdade. Acredito que caiba como um boa resenha do filme.

Título: Nós que Aqui estamos...
Tema: Dias Futuros: Sonhos Ou Angústias

Lembro a primeira vez que questionei valores alheios, o momento exato em que olhei para um colega de sala de aula e ri junto com toda a turma.
Ele havia feito uma pergunta que não tinha nenhum sentido para mim e para todos os outros presentes.
No mesmo ano letivo, um professor apresentou um filme que nunca esqueci. Não lembrei o nome durante seis anos passados, mas o tema "valores" não saiu da minha cabeça.
Um homem pulava de um edifício com asas feitas de tecido. Vieticongs brincavam com uma das pernas de um soldado americano. Garricha driblava toda a zaga adversária. Acho que naquele dia o professor repensou seus anos de faculdade, mas nunca soube os efeitos que me causou.

No mesmo dia comecei a notar minhas atitudes, a dos meus amigos e a de todos a minha volta.
Via nas pessoas toda ausência. Era uma questão de valores, uma questão de ética, e por anos fui perdendo o interesse na convivência.
Não entendia e talvez ainda não entenda os motivos de não se aproximar do diferente. De termos medo de encarar o que não entendemos ou simplesmente julgarmos a maioria das coisas sem ao menos ter o mínimo de embasamento a respeito do assunto.

Não se vê mais o todo. O destino que a juventude promete é a de simplesmente estar vivo, e estar vivo não é apenas acreditar que a nossa realidade seja a única verdade.
Mas quem está preocupado com isso?
Eu só queria escrever um texto moralista.

Jogo de Cena - Eduardo Coutinho

2008-07-12T12:34:00.000-07:00

Eduardo Coutinho sempre foi conhecido como documentarista. Responsável por um dos melhores filmes nacionais já feitos, o documentário “Cabra marcado para Morrer” que levou 20 anos para ser concluído, também esteve em contato com a ficção como nos filmes “O Homem que Comprou o Mundo” e “Faustão”. Mas, sem desmerecer seus trabalhos ficcionais, foi como documentarista que marcou várias décadas do cinema.
Seu novo trabalho é um híbrido. “Jogo de Cena” é uma ficção documental que varia entre a linguagem do cinema, do teatro e a da própria vida. Estamos diante de relatos de mulheres que simplesmente tinham uma história para contar e de atrizes (as maravilhosas Marília Pêra, Andréa Beltrão e Fernanda Torres) que revivem os momentos em destaque dessas mesmas histórias.
É uma cadeira frente ao diretor e de costa para o público, como se não fizéssemos parte da particularidade de cada uma. Um paradoxo, pois já na primeira história estamos completamente ludibriados com as palavras e as emoções de cada uma. Talvez esse seja a deixa de Coutinho. O velho questionamento entre vida e arte. O real e o ficcional. É nesse patamar que acontece o seu híbrido.

O filme vale por tudo. As histórias tornam-se interessantes a cada momento e as atuações/interpretações são extremamente vivas. É algo diferente do que se pode esperar de Coutinho. A câmera na mão de seus documentários é substituída por uma quase sempre estática, mas que funciona como antes, extraído tudo de cada feição e da alma das personagens, seja real ou interpretada. Não há a mesma carga de crítica explicita como nos trabalhos anteriores, mas firma a longa carreira do diretor como sendo a de um dos melhores diretores e “Jogo de Cena” é uma aula de cinema, principalmente por tratar-se de um roteiro inconstante que não permite um trajeto perfeito, dependendo a todo o momento do que seria dito frente às câmeras.

É uma experiência única.

Feliz Natal - Selton Melo

2008-07-11T23:37:00.000-07:00

Quando o nome de Selton Melo está presente nos créditos de um filme, certamente presenciamos um ótimo espetáculo. Pode-se dizer que é um dos melhores atores brasileiro da atualidade e que deu vida a grandes personagens muitas vezes inesquecíveis, como o covarde Chicó de “O Auto da Compadecida” ou o insuportável e amargo Lourenço de “O Cheiro do Ralo”.

Em 2007 iniciou seu novo trabalho onde deixou de lado o fantástico ator e colocou em prática a carreira de diretor que ainda se inicia. “É um novo momento da minha vida. Algo completamente novo para mim.” disse o ator na primeira exibição do seu longa-metragem no encerramento do Festival de Paulínia (11/06/2008).

O filme conta a história de Caio, um homem de meia idade que após algum tempo distante de sua família, volta na noite de natal para revê-los. Sua mãe é dependente de remédios e seu pai vive uma paixão quase criminosa como um jovem. A premissa é simples. A paixão é enorme.

O filme revela-se de autor, notado na liberdade da construção do roteiro e das filmagens que cria a expectativa de um cineasta com uma visão particular. O filme é intenso, visceral e amargo. A câmera na mão remete ao estilo de Dib Lutfi e parece buscar a alma dos personagens com closes que muitas vezes excedem o “limite” do enquadramento. Não houve a preocupação de preservar a imagem do ator para construir a carreira de diretor.

Muitas vezes, principalmente nos personagens que carregam certo tom de humor, é notório diálogos com características dos personagens passados de Selton, assim como em algumas tomadas de câmeras que são nitidamente influenciadas pela experiência cinematográfica do diretor. Mas para aqueles que esperam ver Selton Melo diante das câmeras irá se surpreender. Os típicos elementos são apenas resquícios e nada mais. “Abram seus poros para ver este filme” acrescentou após discursar e apresentar toda sua equipe.

Vale ressaltar a presença do magnífico Leonardo Medeiros que trabalhou muitas vezes ao lado do diretor e que mais uma vez é profundo e humano (Como Pedro em Lavoura Arcaica trás um brilho único para um personagem complexo e carregado de uma moral familiar que busca trazer seu irmão de volta para a casa da família), e de Darlene Glória que volta as telas em uma personagem que parece ter sido escrito para ela.

É uma nova fase que com toda a certeza vale a pena conferir. O talento indiscutível de um ator que vem marcando o seu território e demonstrando mais do que competente para dar continuidade a uma nova carreira, mesmo que assuste o público que conhecerá um outro, talvez o verdadeiro Selton Melo.

A estréia está prevista somente para 31/12/2008 nos cinemas do Brasil e ainda não é possível conferir o trailer.

Falsa Loura - Carlos Reichenbach

2008-07-06T06:34:00.000-07:00

O Cinema nacional fora marcado durante décadas pela estética do cinema novo. Movimento cinematográfico que deixou obras-primas indiscutíveis para a cultura política do país e o desenvolvimento de uma visão cinematográfica destrinchada anteriormente pelo neo-realismo italiano. Glauber Rocha dizia que o cinema novo devia muito ao neo-realismo italiano, mas não somente o cinema novo. As décadas seguintes trariam os resquícios do discurso marxista implícito nas obras do neo-realismo que, no momento em que foi adotado o discurso da ideologia do “cinema realista”, carregávamos juntos o discurso pós-guerra dos intelectuais europeus.

Para Daniel Pécaut, uma das principais características dos intelectuais brasileiros sempre foi buscar constituir-se com uma elite dominante. Esse fato é identificado por este autor como uma espécie de “tradição” dos intelectuais brasileiros que se repete desde os anos 30, quando se posicionaram como os únicos que realmente possuíam pleno conhecimento da realidade brasileira.

Ainda hoje, em muitos filmes, quando um diretor se propõe a retratar a realidade de uma determinada camada social, vemos muito de uma visão pessoal. Quando falamos de filmes como “Tropa de Elite”, o discurso acontece diante da visão do ex-capitão, Rodrigo Pimentel, hoje autor do livro. Talvez sim uma realidade, mas que pode muito bem ser contestada por outro ponto de vista, assim como foi pelo ex-traficante de drogas João Guilherme Estrella, hoje produtor musical, em uma análise do filme em convite a revista M. São duas visões completamente opostas e que condizem com a opinião e com o meio de seus indivíduos.

Ao escrever sobre o “criador de arte”, Roger Bastides insistira: “o criador pertence a um certo país, a uma certa classe social, a grupos determinados, em resumo, a meios sociais tendo cada um suas representações coletivas, seus costumes que pesam sobre o indivíduo com toda a força da tradição (...)
Não há dúvidas de que o artista se pode voltar contra seu meio social, (...) mas mesmo lutando contra a sociedade que o formou (...) não deixa de levar consigo a educação, a classe social, alguns dos valores coletivos que se tornaram para ele um pouco de sua carne, de seu eu profundo.”

Falsa Loura é a mais nova experiência de Carlos Reichenbach, diretor de filmes consagrados que por muito tempo serão lembrados por influenciar o cinema da década de 60 e 70. Neste novo trabalho, ele mergulha novamente na difícil realidade de uma bela operária que vive para realizar seus sonhos, que aos poucos vão se desmoronando com as decepções da vida onde ela torna-se mero objeto de pessoas que apenas enxergam sua beleza.

O retrato de Reichenbach não é novo. O filme muitas vezes traz uma linguagem antiquada, que se confunde entre o que poderia ser “Onírico” ou o “Ridículo”. Em certos momentos a personagem é retratada simples e de um extremo mau gosto, mas com o desenrolar da história, fica vaga a idéia de quem é que possui o mau gosto. A personagem ou o responsável pela trilha sonora. Fato que se fortalece com a presença de Mauricio Mattar. A realidade se confundindo com a arte? Um cantor brega fazendo o papel de um cantor brega?

A posição de Reichenbach sobre o universo de uma operária não funciona. A veneração diante da atuação de Rosanne Mulholland faz concluir que somente valoriza-se uma atriz quando ela se sujeita a fazer cenas de sexo gratuito (todas as cenas de sexo do filme são desnecessária, sem propósito e nós faz desejar o próximo filme de Almodóvar), assim como foi com Alice Braga, e nada mais. Assim, apenas podemos esperar para que uma próxima geração de cineasta reinterprete novamente o que é fazer cinema, trazendo uma nova visão, diminuindo essa necessidade de continuarmos venerando uma ideologia que, dependendo do ponto de vista, é mais do que falida.

Ps: O texto em itálico foi retirado do livro "A Geração do Cinema Novo - Para uma Antropologia do Cinema" de Pedro Simonard.

Fim dos Tempos - M. Night Shyamalan

2008-06-30T21:28:00.000-07:00

Sem dúvidas hoje se deve muito a Shyamalan pelo fetiche por finais surpreendentes. Movimentado pela euforia de uma internet em ascensão, que nos possibilitou o encurtamento de distância ente uma opinião e outra, o fetiche tornou-se necessidade, e agora, ao falarmos de suspense, esperamos pelas improbabilidades que se justificam ao desenrolar de um filme. O “Sexto Sentido” e “Corpo Fechado” foram filmes que exemplificam tal feito, e ao mesmo tempo construíram um público viciado, impossibilitado de ver através da simplicidade e, certo de uma opinião fortalecida por blogs e fóruns, ignoram os grandes feitos e propostas de um diretor e uma geração de cineastas que não se enquadram nessas características.

O trabalho seguinte de Shyamalan “Sinais” já mostrava outras intenções. Com o incompreendido “A Vila”, o discurso passa a ser outro, talvez o que resume o que poderíamos/podemos esperar futuramente do diretor. Um simples roteiro, a mesma atmosfera. Os necessitados aguardavam pelo baque final. Por um choque que terminou em uma grande decepção. Como um filme de terror poderia cumprir sua proposta de “assustar” e ao mesmo tempo ter um desfecho piegas?

Os erros começam ao classificar os filmes de Shyamalan com o gênero “terror”. Assim como “A Vila” e “A Dama na Água” foram vendidos de forma errônea, “Fim dos Tempos” é injustamente cobrado por um público necessitado, mas que em nenhum momento de sua narrativa propõem atende-los. Consequentemente, resultado da não aceitação, crucificam as intenções em nome de um senso estético mercadológico e completamente padrão, que descarta a variedade e o experimentalismo.

A história da invenção técnica do cinema não abrange apenas pesquisas científicas de laboratório ou investimentos na área industrial, mas também um universo mais exótico, onde se incluem ainda o mediunismo, a fantasmagoria, varias modalidades de espetáculos de massa, os fabricantes de brinquedos e adornos de mesa e até mesmo charlatães de todas as espécies. Isso nos remete ao que podemos classificar como um cinema de autor, e não obriga a gostarmos mais ou menos de uma obra, apenas diz que a estética vai alem do que “nos agrada” e a simplicidade pode ser valorizada. É uma questão de entendimento.

O novo trabalho de Shyamalan está longe de ser um grande feito, mas, mesmo com um final forçado pelo estúdio, é provocativo ao apresentar personagens exagerados e uma situação piegas que nos desvia a atenção das questões técnicas e nos força a prestar atenção no que talvez possa ser a intenção de um diretor.

A história técnica do cinema, ou seja, a história de sua produtividade industrial, pouco tem a oferecer a uma compreensão ampla do nascimento e do desenvolvimento do cinema. As pessoas que contribuíram de alguma forma para o sucesso disso que acabou sendo batizado de “cinematógrafo” eram, em sua maioria, curiosos, bricoleurs, ilusionistas profissionais e oportunistas em busca de um bom negocio. Paradoxalmente, os poucos homens de ciência que por aí se aventuram caminhavam na direção oposta de sua materialização.

Ps: O texto em itálico foi retirado do livro "Pré-Cinemas e Pós-Cinemas" de Arlindo Macho.

Sweeney Todd - Tim Burton

2008-02-08T23:25:00.000-08:00

“Textura”. Acho que é a palavra que resume Tim Burton. E não somente isso. Talvez possam pensar que ao resumi-lo em “textura”, nada mais tenha qualidade em seus filmes. Mas essa dita “textura” nos remete a um de seus primeiros filmes e até mesmo ao encantador e sombrio curta-metragem de animação “Vincent. É uma das características que destaca o diretor e faz dele memorável.
Como dito anteriormente, suas obras não se resumem a somente uma bela fotografia. Dotado de uma imaginação sombria, fruto dos filmes de terror de baixo orçamento que constantemente estavam presentes em sua infância, Burton nos leva até uma Londres fria e sombria que remete o final do século XIX, onde a população encontra-se em decadência. Ambiente perfeito para o diretor de filmes como “”Edward Mãos-de-Tesoura” e “Os Fantasmas se Divertem”.
É essa Londres que sustenta a vingança de Sweeney Todd. Preso injustamente, passou 15 anos na cadeia, onde a dor de viver longe da família, e ciente da injustiça cometida, desenvolve uma nova personalidade. Deixou de ser o doce e tolo (assim como ele se nomeia) Benjamin Barker, e torna-se o macabro Sweeney Todd, que passa a ter como único obejetivo vingar-se do juiz Turpin, mandante de sua injusta prisão. Chegando na cidade, encontra apoio da sra. Lovett para colocar em prática seus plano. É um Johnny Depp e uma Helena Bonham Carter magnificos, casal esse já vivido no longa de animação “A Noiva Cadáver”, e que desta vez, não apenas emprestando suas vozes, criam momentos psicóticos, onde ao entrarmos na atmosfera que compartilham entre si, sentimos o prazer e a sede de Todd degolando os clientes de sua barbearia, e a esperança de Lovett por um futuro ao lado de Sweeney ao transformar as vítimas de seu parceiro em tortas para os clintes de sua loja.
Não poderia ser outro diretor. Não poderia ser outro elenco. Mas o filme possui seus deslizes e como antes em “A Noiva Cadaver”, Burton cria perfeitamente o universo da trama. Os personagens são marcantes e perfeitamente desenvolvidos, mas que com o decorrer acabam por se enfraquecer. As canções começam a desgastar, o ritmo que vinha sendo esencial para manter-nos preso perde-se, e quando começa a se reconpor, a históia está praticamente em seu final. Vale lembrar que a presença de Sacha Baron Cohen (Borat) é praticamente irrelevante, já que ao esperarmos por sua aparição, de nada nos surpreende.
O filme não é o melhor trabalho do diretor. Não possui as mesmas qualidades narrativas de Peixe Grande e não é tão genial quanto sua carreira. As músicas em certos momentos começam a ser exageradas e irritantes, porém o elenco dá suporte para encararmos o restante do filme. Mas é Tim Burton. Um Tim Burton em certos momentos equivocado, mas que funciona.

Site Oficial: http://www.sweeneytoddmovie.com/

Trailer: http://www.youtube.com/watch?v=L_hgrfZVlJA

Vincent: http://www.youtube.com/watch?v=QUB_-PpmEP0

O Grande Chefe - Lars Von Trier

2008-02-07T04:36:00.000-08:00

O que há nas obras de Lars Von Trier que tanto as caracterizam como polêmicas? Despertada enumeras discussões que tentam classificar seu estilo próprio, o diretor, em seu novo filme “O Grande Chefe”, mais uma vez priva-se da padronização do estilo qualitativo cinematográfico e valoriza de forma minuciosa os diálogos e esbanja excentricidade em quesitos técnicos.

Fundador do movimento (muitas vezes encarado como pragmático) “Dogma-95”, (co-fundado pelo também diretor “Thomas Vintenberg”) já em seus filmes anteriores não vinha seguindo a risca os mandamentos do manifesto. Os resquícios ainda são nitidamente perceptíveis, porem já não tão explorados quanto em “Dançando no Escuro” de 2000. Os filmes produzidos em seguida ao manifesto (que não são poucos) não são de fácil acesso e muitas vezes, até quem se declara “cinéfilo” acaba não tendo conhecimento das tais idéias ou as encaram como algo “extremo” (pragmático) e simplesmente ignoram.

O equivoco talvez esteja ao imaginar Trier e Vintenber arquitetando acabar com o cinema de Hollywood ao propor menos artificialidade e encarar as idéias do Dogma-95 como inovadoras. Vivemos movimentos que praticamente promoviam as mesmas idéias. Distinguem-se em vários aspectos, principalmente nos fatores que os desencadearam, mas defendiam um cinema de autor, onde o enredo era valorizado e os quesitos técnicos ficavam em segundo plano, quando não simplesmente desprezados.

Os movimentos são ideologias decorrentes de um reflexo do momento histórico. O expressionismo alemão é o sentimento de agonia de uma pós-primeira guerra e a política externa sobre a Alemanha (não vejo exemplo mais claro do que “Metropolis” de Fritz Land.). O Neo-Realismo Italiano é o cinema (quase documental) que “escancara” a nova face da Itália de 1945 (“Roma, Cidade Aberta” de Roberto Rosselini). Enfim, movimentos que, mesmo com a brevidade de suas existências, tiveram sua importância na história do cinema.

O Dogma-95 não é diferente. Seu contexto é o rumo que o cinema tomava em âmbitos mundial devido ao cinema de entretenimento estadunidense e a degradação artística. Confrontou e nos surpreendeu com duas obras-primas. (Lembro-me do dia em que assisti “Os Idiotas” de Lars Von Trier e ao termino apenas conseguia repetir “mordi a minha língua” com muita ênfase, repetindo a dose ao ver “Festa de Família” de Thomas Vintenberg). Não mudou os rumos ou muito menos comprometeu a indústria de Hollywood, mas permitiu que muitos refletissem a respeito do que realmente o cinema pode ser.

Os seus filmes são perturbadores, frios e muitas vezes permitem sentir seu lado sarcástico, que bem dosado com sua ironia, criam momentos polêmicos e de desagrado para muitos. Os escrúpulos são esquecidos e isso torna cada cena, cada fala de seus personagens [complexos] em momentos memoriáveis e árduos implantando a [suposta] dúvida referente à sua qualificação como diretor.

Talvez a resposta que todos gostariam de ter a respeito de sua imagem, saber se ele de fato “corresponde” aos “critérios” que o encaixaria como um artista ou o desclassificaria ao nível de um simples charlatão, está dentro do próprio cinéfilo, pois arte são sensações, e não há nada mais particular do que isso.

“O Grande Chefe” acaba por ser uma comédia menos árdua, definição que nos permite agregar devido à ausência das cenas de grande impacto, pois mesmo deixando de enfatizar a angustia de seus personagens, acaba por ser ácido na sua crítica ao corporativismo e ao transcrever o decadentismo de um ator.

FICHA TÉCNICA

Título Original: Direktoren for Det Hele
Gênero: Comédia
Tempo de Duração: 99 minutos
Ano de Lançamento: 2006 (Dinamarca, Suécia, Islândia, Itália, França, Noruega, Finlândia, Alemanha)
Direção: Lars von Trier
Roteiro: Lars von Trier
Montagem: Molly Marlene Stensgard
Produção: Meta Louise Foldager, Signe Jensen e Vibeke Windelov
Elenco: Jens Albinus (Kristoffer/Svend E), Peter Gantzler (Ravn), Friörik Pór Friöriksson (Finnur), Benedikt Erlingsson (Tolk), Iben Hjejle (Lise), Henrik Prip (Nalle), Mia Lyhne (Heidi A.), Casper Christensen (Gorm), Louise Mieritz (Mette), Jean-Marc Barr (Spencer), Anders Hove (Jokumsen), Lars von Trier (Narrador)

Site Oficial: http://www.direktorenfordethele.dk/

Trailer: http://www.youtube.com/watch?v=UHjVPLpAlMs (Inglês)

Simples Fato

2007-05-01T17:38:00.000-07:00

Há quem ache que, num museu, a gente deveria passar o mais rápido possível de um quadro para outro, nunca permitindo que uma estimulante e poderosa impressão dê lugar a uma fria análise. Alguns mestres nos aconselham até a não ler livros, mas simplesmente ouvir os outros falarem sobre eles.
Tais paradoxos dificilmente se aplicam ao cinema. É claro que eu posso decidir ver apenas parte de um filme, posso sair do cinema; ou posso ficar para ver o filme de novo. Mas não posso vê-lo mais devagar ou menos devagar do que as pessoas à minha volta. Estamos viajando no mesmo trem.

Seja Bem Vindo ao Cinestroika.